Miradas compartidas

Curra.

2011-08-23T14:32:00.002+02:00

Curra, compañera de viaje, cumple seis años.

Tortuga Boba

2011-08-21T19:47:00.008+02:00

Suelta de tortugas Bobas en Cabo de Gata.

Con toda ilusión el sábado, a las 4 de la tarde, salimos para Cabo de Gata, la temperatura 40º, pero la ganas era tanta que no importaba, y más después de escuchar, la noche anterior, a María del Mar contar sus experiencias en la Isla de Isla de Tortugas.
Lo que vi nada tenia que ver con lo contado. A pesar de todo la experiencia buena

Unas imágenes para ver la llegada al mar de la pequeña tortuga

¿¿¿¿¿¿¿¿¿¿¿¿¿¿

¿Volverá dentro de 30 años a poner sus huevos?

Se fue un poco estresada, y sin tiempo de conocer la playa.

¿Qué pensáis?

Goya (1746- 1828). La moda

2011-07-19T18:53:00.016+02:00

Igual que hoy existe reinas de la moda como Megan Fox, la guapa china que conocimos en la saga Transformers, o Alexandra Ambrosio, la top brasileña, en el tiempo de Goya dos top models brillaron en Europa: María Antonieta y Josefina. Las dos lucieron en los salones parisinos y desde entonces Francia en el centro de la moda.

María Antonieta, hija del Emperador Francisco I y María Teresa de Austria, se caso a los 14 años con el delfín Luís de Francia, futuro Luís XVI.

Una de las damas más bellas de la Europa de su tiempo, puso de moda el traje denominado “roble á la francaise”, modelo representativo de la moda francesa del rococó ; un estilo elegante y refinado, de seda de colores pastel con estampado de flores. En España se le llamó “la bata”.

La bata, es un traje abierto por delante, cerrado en la cintura de manera que dejaba más arriba un espacio en forma de “V” que se llenaba con una pieza de tela denominada peto; a veces, el peto se sustituía por una fila de lazos de tamaño decreciente. La parte de abajo se abría y dejaba ver la falda interior. El cuerpo estaba armado con ballenas y tenia mangas hasta el codo. Era un traje caro y en España tan solo las damas de la corte y la nobleza se lo podían permitir.

Pero se copiaba, y en España a los jóvenes que imitaban la moda Francesa se les dio el apelativo de “petimetre”.

Como gran top revolucionaria de la moda francesa, destacar a la criolla Josefina, esposa de Napoleón.

Josefina deslumbro en los salones parisinos ya entonces epicentro de la moda. Ella era la emperatriz de Francia y su moda, “la moda Imperio” basada en un vestido transparente, ingenuo, confeccionado en muselina blanca, con un corte bajo el pecho para realzarlo y un amplio escote, era seguido por las damas europeas.
De estilo neoclásico liberaba el cuerpo de trabas, suprimiendo ballenas y armaduras para faldas; bajo la ropa se adivinaba el cuerpo tal cual era.

Vestido que os recordara la moda griega y romana en la que se inspiro, y si miráis vuestro ropero, veréis que no ha dejado de estar de moda, la moda imperio se mantiene en trajes de novia, camisones, vestidos...

Pero Goya también pinto el traje de la mujer del pueblo que usaba jubón, y falda generalmente negra, adornado con volantes y madroños. Era un vestido poco pudoroso pues dejaba ver los tobillos y las medias

Otra revolución de la época fueron los zapatos que dejaron de ser cerrados, abrochados con hebillas y de tacón, y pasaron a ser escotados de seda bordados, muchos de ellos sin talón.
Los tacones con los años perdieron altura hasta llegar en el neoclasicismo a los zapatos bajos, a imitación de la moda griega y romana .Se usaron sandalias, a menudo, con cintas cruzadas que subían por la pierna

El abanico, como recuerda Blanco White, es un complemento indispensable que toda mujer tenía en su dote.

Prenda importante pues con él, se podían comunicar a través de gestos y expresiones

En los caballeros triunfo la moda española de la capa.

Pero Francia no solo fue centro de la moda en el vestir, también guío la mora del mueble y lo que denominamos decoración de interiores, pero no nos equivoquemos solo se seguía ésta moda en la corte. Los muebles que utilizo Goya y el resto de la de la población, eran muebles sencillos que en la actualidad podemos encontrar y que denominamos castellanos

La moda francesa en decoración y mobiliario la introduce en la corte española el rey Carlos III, que al llegar a Madrid en 1759 se encontró con un palacio real a medio construir y a medio decorar, lo que le permitió romper con la moda austera de los Austria e inclinarse por el estilo Versalles , barroco y rococó.

Como resultado se introdujo, el sofá, la cómoda, el cabinet, que sirven para guardar las colecciones privadas de objetos, el bureau para escribir. Y muebles femeninos como el boheur du jour una escribanía en la que las damas guardan sus pequeños secretos o los toilets, mueblecitos con espejo para ordenar los cosméticos y poder arreglarse

Quizás lo más llamativo y más representativo del periodo, es la famosa Chaise Longue

Todos ellos con formas abombadas, y madera tallada con hojas de acanto, volutas, etc., lo que se denominamos estilo Luís XV

Pero, a rey muerto, rey puesto, y cuando sube al trono Carlos IV, como manda la tradición, los muebles y enseres de palacio se cambian por muebles nuevos, esta vez el rey se inclina por el estilo Luís XVI, neoclásicos, de formas simples, maderas lisas solo adornadas con bronces o con placas de porcelana de inspiración clásica.

En el cambio de estilo del rococó al neoclásico tuvo una gran influencia el descubrimiento arqueológico de las ciudades de Pompeya y Herculano.
Este acontecimiento impacto al mundo de las artes y las ciencias, cambiaron las tendencias estéticas. Muchos artistas viajaron a Roma en busca de los modelos en que inspirarse y todo ello repercutió no solo en las artes sino también en la fabricación de muebles.

En decoración y mobiliario el gusto por lo griego y lo romano se refleja en adornos de grecas, alegorías y escenas mitológicas; las patas redondas o cuadradas sustituyen a las estilizadas curvas del rococó.

El estilo neoclásico, tuvo dos etapas, la primera que corresponde al estilo gracioso y ligero Luís XVI y la última corresponde al pomposo y solemne estilo Imperio. Entre las dos etapas hubo un periodo de transición que se conoce como estilo Directorio, que combina características del Luís XVI y del Imperio

Nos hemos dejado atrás la decoración de las casa del pueblo. En contraste con los elegantes salones del XVIII, la mayoría de los españoles vivían en casas humildes con suelos barro cocido o tierra y paredes encaladas. La pieza principal de la casa era la cocina en las que podíamos encontrar, mesas, bancos y taburetes de madera, tinajas para almacenar agua y aceite, sacos con legumbres y, en algunas, la matanza colgada.
No olvidar un utensilio importante en la casa, el bacín, su colocaba debajo de la cama y tras utilizarlo era vaciado por la ventana, al grito de ¡agua vaaa..¡

En los fogones de los grandes palacios también triunfo la cocina francesa con sus pavitos cebados, pichones a la rabigote…, pero en las cocinas del pueblo, lo que en realidad triunfaba es el potaje, el cocido, el mondongo (los callos), la sangrecilla…. Por eso, cuando al fin Goya consiguió ser aceptado en la Academia de San Fernando invito a sus amigos, en la Taberna Casa Botín, a callos, callos que con la misma receta y proceso de elaboración se sirven hoy en Madrid.

María Blanchard

2011-07-06T19:27:00.008+02:00

El cartel de las Jornadas de Teatro del Siglo de Oro ( Almería 2011), pintado por Sol Ubeda, compañera de trabajo, me trajo a la memoria el retrato, que la pintora sueca Tora Vega Holmström realizo de María Blanchard, en ese momento los avatares del curso escolar interrumpieron mi idea de dedicarle unas líneas a la retratada, y ha sido ahora, al ver la exposición de Menchu Gal cuando he retomado la idea pendiente.

En el retrato de medio cuerpo, sobre fondo de tonos azules María aparece vestida de rojo con sus lentes de miope en la mano derecha, y mirando sin ver el documento que sostiene en su otra mano. Quizás lo que más llama la atención son los rasgos angulosos de su cara, y su expresión melancólica; en el retrato da la sensación de ser una joven alta, pero nada más lejos de la realidad, María era muy baja de estatura, jorobada, miope y coja.
Si tenemos presente que ser mujer y artista en esa época era complicado, serlo siendo minusválida lo seria más. Por lo que no es difícil pensar, que estas características físicas, marcara su vida y forjara su carácter. Y como es de suponer su obra, pues en ella se muestra el alma del artista.

El retrato fue pintado en 1921

María Gutiérrez Blanchard, nace Santander en 1881, y muere de tuberculosis en París en 1932.
Hija de un periodista español y de madre polaco-francesa. Pronto se interesa por la pintura, y será su padre el que fomente su amor e interés por el arte

Su apariencia exterior era muy descuidada e informal, vestía ropa muy usada, con manchas de pintura, incluso pintura en las manos, las gafas, en muchas ocasiones, con cristales rotos y patillas sujetas con alambre, en cambio su obra es una obra muy cuidada.

Al analizar su obra podemos establecer tres etapas:

La primera, de formación, se desarrolla en Santander y Madrid con Emilio Sala, Fernando Álvarez de Sotomayor y continúa en París gracias a las dos becas que consigue de la Diputación en 1909 y el Ayuntamiento de Santander de 1912 a 1914 ; es una etapa figurativa y académica.

A María le gusta París por su carácter cosmopolita y liberal, y por ser el centro internacional de las vanguardias artísticas, de aquí su afán por vivir en París y establecerse definitivamente.

En estos años de París se relaciona con artistas, como Diego Rivera, Juan Gris y Jacques Lipchitz, de los movimientos cubista y modernista.

Para Gaya Nuño, esta etapa cubista fue una «liberación», se liberara de los rigores de la academia y la incomprensión hacia las iniciativas renovadoras que lastraban los ámbitos culturales españoles.

Carlos Arean, crítico de arte, nos dice “María Blanchard en su etapa cubista no llegó a una total descomposición de la forma y se limitó más bien a tallarla en planos esquemáticos que prestaban a sus composiciones un gran rigor, pero también una fluidez no incompatible con una preciosa captación de la realidad.”

Al observar sus obras llama la atención:

La riqueza del color, llegando evocan en algunas de sus composiciones un cromatismo de ascendencia fauve.

La forma de aplicar la pintura con espátula consiguiendo texturas con mucho relieve acentuado por la variación de ángulo en el trazado.

El dibujo es otro elemento fundamental en sus cuadros, desde sus años de formación, el dibujo es esencial.

“ María Blanchard dibuja las formas perfilando bien sus planos, buscando contrastarlos con efectos de claro frente a oscuro, o bien de color contra color. Los perfiles quebrados de los planos siempre encuentran una definición neta, estructurándose con claridad, y en este sentido hablamos de un dibujo que, sin hacer uso de líneas, construye perfiles y separa formas, aunque a esa separación y construcción contribuyen en igual medida el color y la luz, un concepto cezanniano fundamental que el cubismo, sobre todo en su fase sintética, había hecho plenamente “

A partir de 1919 comienza el cambio de nuevo hacia la figuración dentro del costumbrismo español tradicional, sus cuadros recoge escenas familiares y de la vida cotidiana. Pero aunque se representan escenas cotidianas, mantienen la influencia cubistas sobre todo en la composición.

Finalmente decir que María, como otras artistas de su generación tuvieron suerte, pues hombres y mujeres conviven, son admitidos en las Academias, crean y exponen juntos sin atender a las diferencias sexo, algo que no consiguió la mujer hasta finales de siglo XIX. En España hasta la década de 1870 la mujer no fue admitida en la Academia y hasta 1902 le estuvo vetado entrar en las clases de anatomía y de pintura al natural con modelo.

Interesante puede ser leer la conferencia que sobre María dio Federico García Lorca en el Ateneo de Madrid, al poco tiempo de su muerte , en 1932

"Yo no vengo aquí, ni como crítico ni como conocedor de la obra de María Blanchard, sino como amigo de una sombra. Amigo de una dulce sombra que no he visto nunca pero que me ha hablado a través de unas bocas y de unos paisajes por donde nunca fue nube, paso furtivo o animalito asustado en un rincón. Nadie de los que me conocen pueden sospechar esta amistad mía con María Gutiérrez Cueto, porque jamás hablé de ella, y aunque iba conociendo su vida a través de relatos originales siempre volvía los ojos al otro lado, como distraído, y cantaba un poco porque no está bien que la gente sepa que un poeta es un hombre que está siempre ¡por todas las cosas! a punto de llorar.

¿Usted conocía a María Blanchard? Cuénteme...
Uno de los primeros cuadros que yo vi en la puerta de mi adolescencia, cuando sostenía ese dramático diálogo del bozo naciente con el espejo familiar, fue un cuadro de María. Cuatro bañistas y un fauno. La energía del color puesto con la espátula, la trabazón de las materias y el desenfado de la composición me hicieron pensar en una María alta, vestida de rojo, opulenta y tiernamente cursi como una amazona.
Los muchachos llevan un carnet blanco, que no abren más que a la luz de la luna, donde apuntan los nombres de las mujeres que no conocen para llevarlas a una alcoba de musgos y caracoles iluminados, siempre en lo alto de las torres. Esto lo cuenta Wedekind muy bien y toda la gran poesía lunar de Juan Ramón está llena de estas mujeres que se asoman como locas a los balcones y dan a los muchachos que se acercan a ellas una bebida amarguísima de tuétano de cicuta.
Cuando yo saqué mi cuartilla para apuntar el nombre de María y el nombre de su caballo me dijeron: "es jorobada".
Quien ha vivido como yo y en aquella época en una ciudad tan bárbara bajo el punto de vista social como Granada, cree que las mujeres o son imposibles o son tontas. Un miedo frenético a lo sexual y un terror al "que dirán" convertían a las muchachas en autómatas paseantes, bajo las miradas de esas mamás fondonas que llevaban zapatos de hombre y unos pelitos en el lado de la barba.
Yo había pensado con la tierna imaginación adolescente que quizá María, como era artista, no se reiría de mí por tocar al piano "latazos clásicos", o por intentar poemas, no se reiría, nada más, con esa risa repugnante que muchachas y muchachos y mamás y papás sucios tenían para la pureza y el asombro poético, hasta hace unos años, en la triste España del 98.
Pero María se cayó por la escalera y quedó con la espalda combada expuesta al chiste, expuesta al muñeco de papel colgado de un hilo, expuesta a los billetes de lotería.
¿Quién la empujó? Desde luego la empujaron; "alguien", Dios, el demonio, alguien ansioso de contemplar a través de pobres vidrios de carne la perfección de un alma hermosa.
María Blanchard viene de una familia fantástica. El padre un caballero montañés, la madre una señora refinada; de tanta fantasía que casi era prestidigitadora. Cuando anciana iban unos niños amigos míos a hacerle compañía y ella, tendida en su lecho, sacaba uvas, peras y gorriones de debajo de la almohada. No encontraba nunca las llaves y todos los días tenía que buscarlas y las hallaba en los sitos más raros, por debajo de las camas o dentro de la boca del perro. El padre montaba a caballo y casi siempre volvía sin él, porque el caballo se había dormido y le daba lástima el despertarlo. Organizaba grandes cacerías sin escopetas y se le borraba con frecuencia el nombre de su mujer. En esta distracción y este dejar correr el agua, María Gutiérrez se iba volviendo cada vez más pequeña, una mano le tiraba de los pies y le iba hundiendo la cabeza en su cuerpo como un tubo de "Don Nicanor que toca el tambor".
En este tiempo que corresponde a la apoteosis final de Rubén, vi yo el único retrato de María que he visto, y era una criatura triste, no sé de quién, en la que está al lado de Diego Rivera el pintor mexicano, verdadera antítesis de María, artista sensual que ahora, mientras que ella sube al cielo, él pinta de oro y besa el ombligo terrible de Plutarco Elías Calles.
En la época en que María vive en Madrid y cobija en su casa a todo el mundo, a un ruso, a un chino, a quien llame a la puerta, presa ya de este delicado delirio místico que ha coronado con camelias frías de Zurbarán su tránsito en París.
La lucha de María Blanchard fue dura, áspera, pinchosa, como rama de encina, y sin embargo no fue nunca una resentida, sino todo lo contrario, dulce, piadosa, y virgen.
Aguantaba la lluvia de risa que causaba, sin querer, su cuerpo de bufón de ópera, y la risa que causaban sus primeras exposiciones, con la misma serenidad que aquel otro gran pintor, Barradas, muerto y ángel, a quien la gente rompía sus cuadros y él contestaba con un silencio recóndito de trébol o de criatura perseguida.
Aguantaba a sus amigos con capacidad de enfermera, al ruso que hablaba de coches de oro, o contaba esmeraldas sobre la nieve, o al gigantón Diego Rivera que creía que las personas y las cosas eran arañas que venían a comerlo, y arrojaba sus botas contra las bombillas y quebraba todos los días el espejo del lavabo.
Aguantaba a los demás y permanecía sola, sin comunicación humana, tan sola, que tuvo que buscar su patria invisible, donde corrieran sus heridas mezcladas con todo el mundo estilizado del dolor.
Y a medida que avanzaba el tiempo, su alma se iba purificando y sus actos adquiriendo mayor trascendencia y responsabilidad. Su pintura llevaba el mismo camino magistral, desde el cuadro famoso de "La primera comunión" hasta sus últimos niños y maternidades, pero atormentada por una moral superior daba sus cuadros por la mitad del precio que le ofrecían, y luego ella misma componía sus zapatos con una bella humildad.
La vida y pasión de Cristo fue tomando luz en su vida y, como el gran Falla, buscó en ella norma, dogma y consuelo. No con beatería, sino con obras, con grave dolor, con claridad, con inteligencia. Lo más español de María Blanchard es esta busca y captura de Cristo, Dios y varón realísimo; no al modo de la fantástica Catalina de Siena que se llega a casar con el niño Jesús y en vez de anillos se cambian corazones, sino de un modo seco, tierra pura y cal viva, sin el menor asomo de ángeles o milagro.
Su cintura monstruosa no ha recibido más caricia que la de ese brazo muerto y chorreando sangre fresca, recién desclavado de la cruz.
Ese mismo brazo fue el que, lleno de amor, la empujó por la escalera para tenerla de novia y deleite suyo, y esa misma mano la ha socorrido en el terrible parto, en que la gran paloma de su alma apenas si podía salir por su boca sumida. No cuento esto para que meditéis su verdad o su mentira, pero los mitos crean al mundo, y el mar estaría sordo sin Neptuno y las olas deben la mitad de su gracia a la invención humana de la Venus.
Querida María Blanchard: dos puntos... dos puntos, un mundo, la almohada oscurísima donde descansa tu cabeza...
La lucha del ángel y el demonio estaba expresada de manera matemática en tu cuerpo.
Si los niños te vieran de espaldas exclamarían: "¡la bruja, ahí va la bruja!". Si un muchacho ve tu cabeza asomada sola en una de esas diminutas ventanas de Castilla exclamaría: "¡el hada, mirad el hada!". Bruja y hada, fuiste ejemplo respetable del llanto y claridad espiritual. Todos te elogian ahora, elogian tu obra los críticos y tu vida tus amigos. Yo quiero ser galante contigo en el doble sentido de hombre y de poeta, y quisiera decir en esta pequeña elegía, algo muy antiguo, algo, como la palabra serenata, aunque naturalmente sin ironía, ni esa frase que usan los falsos nuevos de "estar de vuelta". No. Con toda sinceridad. Te he llamado jorobada constantemente y no he dicho nada de tus hermosos ojos, que se llenaban de lágrimas, con el mismo ritmo que sube el mercurio por el termómetro, ni he hablado de tus manos magistrales. Pero hablo de tu cabellera y la elogio, y digo aquí que tenías una mata de pelo tan generosa y tan bella que quería cubrir tu cuerpo, como la palmera cubrió al niño que tú amabas en la huída a Egipto. Porque eras jorobada, ¿y qué? Los hombres entienden poco las cosas y yo te digo, María Blanchard, como amigo de tu sombra, que tú tenías la mata de pelo más hermosa que ha habido en España."

Menchu Gal

2011-07-03T18:31:00.008+02:00

Por barraca, me he encontrado, en Málaga, con la obra de Menchu Gal, la conocía por reproducciones en catálogos, pero nada que ver con la realidad; el nombre de la exposición retrospectiva “La alegría del color” puede dar una idea de lo que se experimenta al entrar en las salas del Archivo Municipal de Málaga, donde la obra de Menchu se nos muestra en todas sus facetas.

Menchu Gal nace en lrún en 1919. Sus primeros estudios los inicia en el Colegio del Pilar de Irun, donde comienza a mostrar su inclinación artística.; sus profesoras, las religiosas de la Compañía de María, dicen de ella que era, “una niña imaginativa que disfrutaba más con lápices de colores que frente al libro de estudio “. “Le costaba adaptarse a los estudios debido a su carácter independiente que derivaba en ocasiones en faltas de disciplina”.
Desde joven se relaciona con la vanguardia tanto de Bilbao como de San Sebastián, que son, durante los años de la Segunda República, los principales y más progresistas focos artísticos del País Vasco.

Con 17 años consigue una beca para continuar su formación artística en la academia parisina de Amedée Ozenfant ( pintor cubista francés, dentro de la tendencia purista) , donde conoce a Fernand Léger, que visita frecuentemente la academia de Ozenfant, aunque se dice que fue su maestro, esto ultimo no esta claro.
A pesar de tener grandes maestros y estar en contacto con los círculos vanguardistas de Paris, cuando regresa a España en 1935, la joven artista no da por terminado su aprendizaje y se matriculara en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, estudios que le interrumpió la Guerra Civil, y que luego continuara bajo la tutela de Daniel Vázquez Díaz y de Aurelio Arteta.
En Madrid formara parte del “grupo de Madrid” dirigido por Benjamín Palencia.

Tras su retorno al País Vasco, una vez finalizada la guerra, continuó con su formación hasta convertirse en una de las artistas más prolíficas del siglo XX.

De forma breve, su obra la podemos considerar expresionismo fauvista, destaca por el color, color que va depurando hasta utilizarlo cari puro y directo; desde el punto de vista temático, en su obra dominan los paisajes, tanto los norteños donde se desarrolla su juventud (Fuenterrabía) Hendaya, etc, como los castellanos, estos últimos realizados en tonos dorados y, en menor número; los retratos, interesante la serie que realiza de su madre, y los bodegones.

Su obra es figurativa, pero no se trata de una imitación de la realidad sin más, sino de una interpretación del natural pasada por la emoción subjetiva de la pintora, que se traduce estilísticamente, y de manera evolutiva, por medio del impresionismo, del neocubismo, y del expresionismo, más propiamente fauvista, los nabis, y Chagall, prueba de que la pintura de Menchu Gal resume muy bien el devenir de pintura de los últimos ochenta años.

Para Juan Manuel Lumbretas, “Mecha Gal, María Blanchard y Carmen Laffont son las tres grandes damas de la pintura figurativa, abarcando lenguaje tan dispar como el neocubismo de Blanchard, el realismo magico de Lafort y el expresionismo fauvista de Menchu Gal que le permite interpretar los temas, paisaje, retrato, bodegón, con la libertad que ha sido la norma suprema de su propia vida”

Muy interesante ver y escuchar en la página:

http://www.fundacionmenchugal.com/noticias.htm

las conferencias:

“ Una mirada sobre la obra de Menchu Gal” de Edorta Kortadi Olano
“ Menchu Gasl y el rio Bidasoa” de Francisco Javier Zubiaur Carreño

“ El valor de la obra de Menchu Gal ha sido reconocido por los principales críticos e historiadores españoles, y se articula en torno a los grandes dominios en que trabajó: paisaje, retrato, bodegón. Se ha destacado en ella la brillante ejecución de su obra, su frescura, su vitalismo, su visión penetrante para ver más allá de la apariencia, todo ello dentro de una figuración renovada que permite a sus sucesores enlazar con la tradición pictórica española sin menospreciar el arte nuevo de allende nuestras fronteras, vitalizándolo con su aporte vascongado.
La luz y el color jugaron en su obra papeles absolutamente protagonistas. La atracción por el color lleva a la luz y viceversa. Y la forma, o un cierto grado de informalismo, nos hablan de su capacidad emotiva, de su apasionamiento o, por el contrario, de su sentimiento delicadamente poético en el momento de aplicar los pinceles.
En cuanto a su aportación al conjunto de la pintura española, Zubisur destacó su pertenencia a una generación de supervivientes, los de la postguerra española que eclosionaron entre 1940 y 1960, y no sólo sobrevivió, sino que floreció en el momento más duro, lo que es más de admirar siendo mujer. Es de elogiar que en aquel ambiente supiera defender su vocación artística e imponer su nombre a la crítica especializada. Su trayectoria no deja de sobrecogernos, pues alcanza los 70 años de producción, con una trayectoria reconocida por importantes premios: el Gran Premio de Acuarela en la II Bienal de Arte del Caribe (1954), el Premio al Mejor Retrato en la III Bienal Hispanoamericana de Arte de Barcelona (1955), el Premio Nacional de Pintura (1959) y el Premio Biosca (1960), habiendo obtenido todos los existentes en su tierra, Gipuzkoa.”

“Jardín de artista”

2011-06-22T19:00:00.005+02:00

Napoleón III, tras su llegada al poder en 1851, tiene entre sus objetivos modernizar Paris, contando para ello con barón Haussmann, prefecto del Sena, que diseña los grandes y famosos bulevares parisinos bordeados de árboles y dota a Paris de grandes zonas ajardinadas; para abastecerlos de plantas se construyen viveros e invernaderos.

Desde la década de 1860 los jardines son muy populares en Francia. Se introducen y se cruzan de cientos de plantas y especies de flores “nuevas” procedentes de Asia, África y América, así como se inauguran y abren al público de los primeros parques reales, estimulando un gran “movimiento hortícola”. Cultivar y disfrutar de las flores en un jardín decorativo y de esparcimiento se convierte en uno de los pasatiempos predilectos.

Destacan tres tipos de jardines:
El parque publico
El jardín productivo comercial
El jardín de artista

" El jardín de artista", es un jardín privado que el artista cuida y pinta, convirtiéndose en su lugar ideal para trabajar al aire libre, experimentar con el color, los efectos de la luz sobre figuras, plantas y objetos, y plasmas temas de la vida moderna.

Al pintor el jardín privado le proporciona ventajas:

• Pinta al aire libre, y fuera de las miradas de las gentes, que solían arremolinarse en torno al pintor y su caballete, cuando pinta en parques públicos.

• Tiene acceso fácil a motivos que puede repetir en condiciones meteorológicas diversa o de iluminación sucesiva y cambiante lo largo el día o de las estaciones.

• Además el propio jardín es un lugar donde llevaba acabo experimentaciones hortofrutícolas.

Los Impresionistas sintieron una gran pasión por los jardines, intercambiándose consejos de jardinería y experiencias, y creando sus propios “jardines de artista”. Como ejemplo los jardines de Monet en Argenteuil, o el de Renoir en la rue Cortot. Monet denomina a su jardín de Giverny “mí obra de arte más hermosa”.

Como podemos ver en la obra “ El jardín del Artista en Argenteuil” de Monet

En el cuadro, a pesar de su característica pincelada, podemos ver que no solo es su lugar idílico para experimentar con la luz y el color, sino que también es un lugar de investigación botánica. Las flores rojas que pinta en el centro de la composición se pueden tratar de dalias de la variedad” estrella del diablo” oriunda de México y que en esos años se desarrollaba partir de un bulbo procedente de Holanda y que se registro por primera vez en 1864.

En el retrato que Renoir hace de Monet pintando las dalias en su jardín, las casas del último termino y la valla recta y baja sirven para destacar el crecimiento libre e irregular de las flores, es un jardín medio silvestre, que el lo que sedujo a Renoir

María Enciso

2011-03-20T19:23:00.005+01:00

En el día de la poesía recordemos a María Enciso, almeriense, maestra, escritora, periodista y política republicana

“Tú me dueles España. Y este dolor profundo,
lleva tu clara huella, perfecta, definida.
Clavada está mi planta en tu arenosa orilla,
y mis manos se abren sobre tu tierra áspera,
y mi sangre en tu sangre, diluye su agonía,
y estoy en carne viva sobre tu cruz tendida.”

María Dolores Pérez Enciso , nace en Almería el 31 de marzo de 1908. A los quince años comienza a estudiar magisterio en la Escuela Normal de Almería, finalizando la carrera en Barcelona en 1927.

En Barcelona frecuenta la tertulia de la Residencia de Estudiantes de Ríos Rosas, donde conoce a Gabriela Mistral.
Comprometida con los problemas de su tiempo, durante la República se afilia al Partido Comunista y en la guerra civil ejerce como delegada de la República supervisando los acogimientos de niños españoles en Bélgica.

Al ser invadida Bélgica por los nazis, se traslada a Francia y de aquí a Inglaterra para posteriormente exiliarse a América, donde trabaja como redactora de distintas publicaciones colombianas: el semanario “Sábado” , “El Tiempo” y “la Revista de las Indias”. En Cuba, reside unos meses y trabaja en el “Diario de la Marina”. Se va a vivir a México y de nuevo comienza su trabajo literario compaginándolo con trabajos de periodismo «rosa», la revista popular "Paquita del Jueves". También colabora con el revolucionario "El Nacional", en el suplemento semanal
María Enciso fallece en esta ciudad a los 41 años, tras una operación de apendicitis.

Entre sus obras destacan: “Treinta estampas de la guerra” (1941), “Cristal de las horas” (1942) libro que dedica a su madre, “ De mar a mar” (1946) y “Raíz al viento” (1947). El pasado año, con motivo de su centenario, se ha estrenado el musical La silueta del tiempo, sobre María Enciso y los valores de la democracia, compuesto por Francisco Javier López Rodríguez.

Dolores vivió su exilio siempre con la nostalgia por su país, por su madre que quedó sola en Almería. Nostalgia que se siente al leer

¿Por quién doblará,

mientras se oye a lo lejos

la voz del mar?

De cal y agua

más blanca todavía

yo te soñaba

Al aire la vela blanca,

lejos la caliente arena,

una noche en alta mar

en un barquito de vela

Pa cantar el fandanguillo

que dé pena y alegría,

es preciso haber nacío

en un barrio de Almería

Tengo una manuela nueva

con cuatro jacas castañas

y el novio más salaíllo

que calienta el sol de España.

¡Almeriense y morenillo!

Mujer y Arte

2011-03-08T19:17:00.002+01:00

En el día de la mujer trabajadora, recordemos la presencia de la mujer en el campo artístico.
Utilizo la presentación de Ana Rey. Gracias Ana espero que no te moleste

Mujeres Creadoras

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Lydia Delectorskaya

2011-01-04T18:38:00.007+01:00

Lydia Delectorskaya, es un joven de origen eslavo, que conoce Matisse en Niza en 1932.
Su belleza, inteligencia y simpatía atrajeron al pintor, conviendose en su secretaria y su modelo preferida. Permaneciendo más de veinte años a su lado.

Mujer de gran sensualidad y encanto,fue una fuente inagotable de inspiración en sus pinturas, dibujos, grabados e ilustraciones de libros, Lydia posó para cerca de 90 pinturas y cientos de dibujos.

Henri Matisse que pintó de ella numerosos retratos, su intención al retratarla, no fue mostrar su personalidad o exaltar la individualidad de su persona, de ahí que el rostro, en muchos de ellos, aparezca simplemente esbozado.

De todos ellos el que quizás más me sorprende es:

El rostro de Lidia es geométrico, y plano.
La cara, dividida en azul y amarillo, es como una imagen heráldica. Su pelo es de color verde brillante, esta rodeado de un fuego de color naranja , que llena el conjunto de energía.
Me recuerda a los arlequines multicolores, pero no por eso dejo de encontrarlo sofisticado. Es para mí un retrato entre abstracto y personal, lleno de libertad en su ejecución

Lidia es una persona mucho más joven que Matisse, y en este retrato lleno de elegancia y con mirada audaz, quizás, le rinde homenaje con un romanticismo controlado.

El desnudo femenino, ocupó un lugar central en su pintura, y "al margen de su importancia estética, le ayudó a resolver muchos problemas artísticos, porque era una forma de desplazar la sensualidad del cuerpo femenino a la materialidad del arte"

La puerta o la venta abiertas son un motivo frecuente en la pintura romántica del siglo XIX, pero que Matisse transformay adecua a un ambiente totalmente mediterráneo.

En este cuadro " Desnudo con las piernas cruzadas" Matisse lo carga de sensualidad haciendo entrar por la ventana toda la luz del Mediterráneo.

"Bata Púrpura y Anémonas"

Al ser acusado de pintar imágenes irreales de mujeres,Matisse dijo, "yo recreo a la mujer, yo no hago una foto."

Los espejos son también un elemento importante en la obra del artista, un elemento que complica la imagen, crea realidades alternativas y muestra su absoluto control del espacio.

Feliz año 2011

2011-01-01T13:52:00.002+01:00

Dibujo de Miguel Ángel. "Torso de Cleopatra"

MUSEO ALBERTINA ( Viena)

Gracias a todos por asomaros a estas paginas, y mis mejores deseos para el año próximo.

Si tenéis un ratillo libre,y ganas de cotillear por los dibujos de Miguel Ángel, pinchar en la dirección

http://www.albertina.at/jart/prj3/albertina/main.jart

Naranjas, mandarinas, hojas y Curra

2010-12-18T19:50:00.011+01:00

Paseando por los alrededores de Gador, disfrutas de la belleza de sus huertos de naranjos y mandarinos, en estos meses sus bancales están llenos de contrastes verdes, amarillos y naranjas y si lo dejas para la primavera, el blanco del azahar motea el verde de los árboles, y en toda estación , disfrutas de olores y susurros inolvidables.

Pero no solo es belleza pues en una naranja o mandarina encuentras

•88 % de agua.
•35 a 50 calorías.
•0.8 a 1 grs. de proteínas.
•0´1 grs. de grasas.
•1´5 a 2´5 grs. de fibra .
•50 mg de vit. C.
•40 mg. de Calcio.
•15 mg. de Magnesio.
•200 mg. de Potasio.
•35 mcgrs. de ácido fólico.
•50 mcgrs. de carotenos.
•el nivel de glucosa y dextrosa depende de la variedad y del punto de madurez aunque en general suelen oscilar entre 8 - 10 grs. de hidratos de carbono.

Hojas y lluvia

Has visto el espectáculo
de llorar la lluvia.
Sus lágrimas
siempre han sido húmedas,
como las mías.

Mi vida es como un tren,
deteniéndose en cada estación.
Mi vida es como un árbol,
se ha quedado sin hojas.
Pero un árbol siempre da frutos.

Así como la lluvia
ha llorado sus lágrimas húmedas,
el árbol de mi vida
ha llorado también
sus hojas muertas.

He visto caer mis hojas
y llorar mi lluvia.
(He vivido).
1977.

Valentin Antonio Gajardo Rios

Curra

Sendas de esplendor y fe

2010-11-26T18:20:00.021+01:00

De las cumbres de la Ragua a Ferreira

Ermita Nuestra Señora de la Cabeza ( Ferreira)

Exvotos, signo de fe y esperanza, del pasado y el presente.

Fisgonea en los exvotos pinchando sobre la foto. Curtiosisimo.

Almería es increíble

2010-10-16T19:25:00.005+02:00

Una mañana de octubre en el campo, toda una delicia

Que paz, que tranquilidad, que aromas, ¿por qué no venir a menudo?.

Recogiendo aceitunas para poner en agua, con sal, tomillo laurel y ajos.

No se pueden perder las buenas costumbres heredadas de nuestros mayores, no todo es abrir latas.

"El camino"

2010-09-13T18:55:00.004+02:00

" Nos extraviamos haciendo, pensando, recordando, anticipando..., creando así un laberinto de complejidades y un mundo de problemas.

La naturaleza puede mostrarnos el camino de regreso a casa,

El camino de salida de la prisión de nuestra mente"

Eckhart Tolle

Gracias, Ana del Mar

San Petersburgo

2010-08-30T12:55:00.000+02:00

En estos días he leído la novela, “ La casa del propósito especial” de John Boyne.

El autor narra la vida Georgi un muchacho al que el destino lo lleva a ser guardia personal de Alexis Romanov, el único hijo varón del zar Nicolás II; a través de las vivencias del joven, el autor, nos muestra la fastuosa vida en el Palacio de Invierno, las intimidades de la familia imperial, los hechos que precedieron a la revolución bolchevique y, finalmente, la reclusión y posterior ejecución de los Romanov, todo ello enmarcado en una novela de “amor”. Historia de amor que sorprende al lector.
Ha sido una lectura agradable, y sobretodo me ha llevado a revivir recuerdos y lugares de San Petersburgo y sus alrededores, impulsándome a enseñaros algunas fotos y coméntalas .

El primer lugar, paseando en barco por el Neva, en un atardecer, a las 11 horas, bellisimo y sorprendente
La foto no le hace justicia

La Fortaleza de Pedro y Pablo, frente al Palacio de Invierno

La Catedral fue desde su construcción panteón real de la familia Romámov y es en donde esta enterrado Nicolas II y su familia. Es un edificio barroco, estilo Pedro I; llama la atención la altura de su campanario coronado por una aguja.

Palacio de Invierno, en la actualidad forma parte del museo Ermitage

Fue construido en la segunda mitad del siglo XVIII por el arquitecto Bartolomeo Rastrelli, y ampliado en varias ocasiones

Las residencias imperiales de los alrededores de San Petersburgo son un magnifico conjunto de obras barrocas y neoclásicas.

Peterhof

De todas ellas, para mi, Peterhof, mandado construir por Pedro I “el Grande”, es el conjunto palaciego más impresionante, con sus palacios, jardines, fuentes en cascada.

Es la residencia situada junto al mar Báltico de los zares de los siglos XVIII y XIX

Es un impresionante conjunto, donde llama la atención la fuente en cascada, seguida del canal que comunica el palacio con el mar.

La salida al mar Báltico fue un de los grandes retos de los zares, al igual que sera para el pueblo ruso la salida al Mediterraneo.

El Conjunto de Tsárskoye Seló, de la época de la zarina Isabel y de Catalina “ la Grandes” hijas de Pedro I , no se les queda atrás en belleza

Tsárskoyo Seló

Palacio de Catalina

La puerta de oro, da paso al palacio de Catalina, obra del Arquitecto Rastrelli

En la verja, sorprende, las volutas, guirnaldas, rocallas y estrellas doradas, cuyo dibujo calado le da ligereza y perfección

Salón de baile

Estufa

Para la realización de las estufas, se trajeron de Holanda maestros ceramistas de Delfé, que realizaron y ensañaron a los artesanos rusos, y el resultado lo tenemos a la vista

Tras la caída de los zares y el establecimiento de la Nueva Rusia, los palacios pasaron a ser museos.
Durante la Segunda Guerra Mundial fuero devastados, casi por completo, y sorprende cuando realizas la visita a Tsárskoye Seló ver la exposición de fotografías que nos muestran el proceso de restauración de todo el conjunto, parece imposible; ha sido el tesón y el empeño del pueblo ruso el que nos ha devuelto estas obras de arte

" Los Coloraos"

2010-08-24T18:40:00.000+02:00

Martes 24 de agosto, un año más tenemos que recordar a aquel grupo de hombres, defensores de las libertad, que procedentes de Gibraltar llegaron a Almería con el objetivo de proclamar la Constitución de 10812, y restablecer las libertades conseguidas en la Revolución de Cádiz de 1810 a 1814, que fueron suprimidas por Fernando VII “el deseado” en 1814, tras la aceptación del “Manifiesto de los Persas”.

Pero los defensores del espíritu de Cádiz no permanecieron quietos, y en 1820 tras el pronunciamiento de Riego, consiguen obligar a Fernando a volver a la senda constitucional, por poco tiempo, ya que con el apoyo internacional de la Santa Alianza y tras el Congreso de Verona, los Cien mil Hijos de San Luís establecen el Absolutismo en 1823.

Los liberales, no dejaron de intentarlo, y en agosto de 1824 lo intentan en Almería, no tuvieron éxito, y el 24 de agosto de 1824 fueron fusilados, sin juicio previo ,en la Rambla de Belén, a la altura de la calle Granada

En recuerdo y conmemorado la gesta de estos defensores de la libertad, se levanto un monumento conocido popular mente como “Pingurucho de los Coloraos”

¿ Coloraos por qué” por el color rojo de las casacas que llevaban

Almería los ha recordado siempre, tan solo con una excepción que es el paréntesis de los años de la Dictadura.

Con la llegada de la Democracia se recupero de la tradición liberal. En 1988 se restableció el Pingurucho de los coloraos en la Plaza del Ayuntamiento y todos los años, los 24 de agosto, se recuerda la hazaña de aquellos luchadores por la Libertad.

Palacio de los viscondes del Castillo de Almansa. Archivo Provincial de Almería

2010-08-20T09:19:00.000+02:00

En esta tranquila mañana de agosto continuo, de nuevo, con unas pocas imágenes comentadas de la arquitectura domestica almeriense, de finales del XVIII e inicios del XIX.

Pero antes tenemos que recordar que en estas fechas, segunda mitad del XVIII, en Almería, como en el recto de España, se van implantando paulatinamente las nuevas ideas academicistas, lo que en Almería se traduce en la paulatina sustitución de los rasgos populares y barrocos, que habían caracterizado a la casa señorial del XVII y primera mitad del XVIII, por unos rasgos de estética neoclásica; entramos en el periodo conocido como Historicista.

Ejemplo claro de este momento de transición, lo tenemos en la fachada del palacio de los vizcondes del Castillo de Almansa, en la calle Campomanes, en la actualidad el edificio lo ocupa el Archivo Histórico Provincial.

Es una casa construida entre 1773- 1780, para Miguel de Almansa y Uriarte, cuarto vizconde del Castillo de Almansa

Si observas detenidamente la fachada, te encuentras con una mezcla de elementos barrocos, y elementos que apuntan las nuevas pautas marcadas por el neoclasicismo.

En primer lugar como rasgos nuevos, claramente academicistas, vemos:

Que la fachada esta concebida como un todo ornamental.
Que la fachada esta enmarcada por sillares de ángulo en las esquinas y entablamento cerrando el último piso.
Que las dos plantas, del edificio, están perfectamente definidas al exterior por una cornisa, que separa ambos pisos

Que los vanos regularmente repartidos por toda la fachada, en piso inferior son grandes ventanas, y en el principal balcones, que descansan sobre repisas cónicas molduradas, que nos recuerdan a las de la casa de los Puche
Que todos los vanos, en el piso inferior y superior, están enmarcados por molduras.

Pero si sigues mirando con atención observas, que conserva características de la tradición barroca, que es lo que da encanto a la fachada, para mí una de las más bonitas de Almería, como son:

Cierta irregularidad en la distribución de los huecos, y lo que más me gusta, esa intromisión de las molduras con volutas que a modo de frontón coronan vanos del primer piso, y que invaden el segundo, algo muy barroco.

Y por supuesto el escudo nobiliario sobre un frontón roto en el balcón central

Observa también las molduras acodilladas de los vanos del primer piso y las placas recortadas que nos hacer recordar el estilo Rococó español.

Como dije antes, en la actualidad el edificio lo ocupa el Archivo Histórico Provincial, que también incluye la casa de don Francisco Jover y Tovar, en la calle Infanta, diseñada por el arquitecto Trinidad Cuartara en 1894

Cuartara Casinillo diseña, para el edificio, una fachada sencilla, donde se ha eliminado la cornisa para separar los dos pisos, y donde sorprende la gran portada monumental en piedra de cantería muy ornamentada.

Llaman la atención la fantasía de los elementos vegetales que la adorna , acercándonos un poco al modernismo, y aligerando la pesadez de todo la portada.

Es hora de ir a la playa, en otros ratillos, continuare con tres casas, construidas por la burguesia almeriense del XIX, de las que os adelanto fotografias, son:

La casa palacio de los Marqueses de Cabra, en la actualidad Archivo municipal.

La casa de los Marqueses de Torre Alta, en la plaza Careaga

Y la casa de D. Vicente Duimovich, en la plaza San Fernando

Casa de los Puche. Casas señoriales del Antiguo Régimen

2010-08-07T12:19:00.000+02:00

Gracias a mis paseos por el casco antiguo, en compañía de Curra, mi perra, paseos que por necesidad tienen que ser lentos, he podido mirar de nuevo las bonitas y escasas casas que conservamos del Antiguo Régimen en Almería, casas señoriales de los siglos XVII y XVIII.

Si tenéis curiosidad y tiempo, recorrer, sin prisas, la zona entre las calle la Reina y Real, podréis poco a poco ir descubriéndolas y disfrutando de ellas.

Son casas de dos planta, con fachada rectangular, las más antiguas no presentan moldura para separar el piso inferior del suprior, que solo se intuyen por la distribución de los vanos.

La planta baja, que se dedicaba a cuadra, almacén…. Se abre al exterior con varios huecos, entre los que destaca, casi en el centro de la fachada, la portada de cantería, decorada con molduras, pilastras o columnas que sostienen entablamento con escudo nobiliario en el centro del dintel. El resto de los vanos no tienen ningún tipo de decoración en ninguna de las plantas.

Una de las fachadas más antiguas que responde al esquema más simple, como apreciáis en la foto, es la de la calle del Arco. Aunque, matizar, que antes de la restauración no presentaba vanos en el piso superior, aunque si guardapolvos sobre los tres huecos

En la imagen nos encontramos con el arco, decir que es herencia musulmana la costumbre atravesar los callejones de una casa a otra por un paso elevado.
¿Motivación? La seguridad y rapidez en un entramad,o de callejones estrechos y sinuosos.

Otro bonito ejemplo, de casa del Antiguo Régimen, lo tenemos en la calle Real, en el nº 65, a la altura de las cuatro calles.

Lo que sorprende en esta fachada, es el balcón principal sobre la puerta de entrada, que descansa sobre una repisa de cantería muy gruesa y con numerosas molduras. Recorriendo la calle Real encontramos alguna otra.

Llegamos a la plaza de Bendicho, en la zona este de la Catedral, y nos encontramos con la casa de los Puche, una de las familias nobles que llegaron a Almería a finales del siglo XV ,con los primeros pobladores cristianos.

Es un edificio de planta cuadrada, de dos plantas, que se organizan en torno a un patio central porticado. La puerta principal da acceso a un zaguán que desemboca en un patio en torno al cual se organiza la vivienda.

El patio, porticado, presenta columnas toscazas sobre las que descansan arcos carpaneles de ladrillo, la techumbre de la galeria es plana, con vigas de madera que descansan sobre los muros de carga. Una escalera ornamentada en azulejo conduce al piso superior.

La fachada, separada en dos planta por una fina moldura, presenta una portada con vano de medio punto, enmarcado por columnas toscazas, exentas, que arrancan de un podiun y que sostienen un entablamento, también toscazo, en cuyo centro aparece el escudo nobiliario de la familia; sobre la cornisa del entablamento descansa la repisa del balcón central. Llama la atención, por su bellaza, las repisas, semicirculares con molduras, de corte barroco, que sostienen los balcones laterales , similares a las de la casa palacio de los Vizcondes del castillo de Almansa, en la calle Campomanes. Admirar también los bonitos herrajes de los balcones

Durante tiempo se la conoció como Casa de Arboledas, por ser este el apellido de su constructor, pasando a recibir su nombre actual en 1816, año en que fue adquirida por José María Puche y Perceval, caballero de la Orden de Carlos III y miembro de una ilustre familia local, los Puche

La casa datada de finales del siglo XVII, aunque, se piensa que pudo haberse construido sobre una antigua casa del siglo XVI, debido la presencia de un elemento tan singular de arquitecturas anteriores como es el aljibe, de gran tamaño

La casa tras la Guerra Civil, se dividió en 12 viviendas familias, levantando distintos tabiques. Fueron ellos, los inquilinos, quienes encontraron el aljibe árabe, y quienes en su interior descubrieron distintas ánforas y otros enseres valiosos.

En la actualidad la Cofradía del Prendimiento, la ha restaurado y se ha puesto especial cuidado en mantener y restaurar tanto la fachada, las escaleras de Mariposa y el aljibe árabe con el que cuenta.

Por ultimo decir que la casa señorial almeriense carece de torres, pero en ellas, si puede aparecer una tercera planta, formada por arcos de ladrillo sobre pilares. Casas de este tipo las podéis encontrar en la calle Eduardo Pérez, y sobre todo la de la calle Mariana, que aunque las dos plantas inferiores fueron reformadas en el XIX, la tercera quedo intacta, que en la actualidad se está restaurando y veremos lo que nos dejan.

Bueno es hora de bajar a la playa, otro día, continuare con el resto de las casa del XVIII, en especial con la casa palacio de los vizcondes Castillo de Almansa

'Esferas telúricas' de Miguel García Haro

2010-07-26T18:46:00.000+02:00

En Alhabía, en el Cerro del Pico, dominando la confluencia entre los ríos Andarax y Nacimiento, en un sitio privilegiado, nos encontramos con la obra del artista almeriense Miguel García Haro.

La obra, híbrido entre escultura y arquitectura del paisaje, se eleva silenciosa, integrada en el medio físico, y con su entorno cultural, al reutilizar_ Trencadis_ para decorar las formas esféricas pequeños trozos cerámicos procedentes de lo que fueron piezas desechadas por el ceramista Manuel González Castellón.

Miguel García Haro

Nace en Almería en 1970, es Licenciado en Bellas Artes, y estudio nuevas tecnologías artísticas en la Hochschule für bildende Kunste de la Universidad de Hamburgo en Alemania.

Tomada del periodico " La Voz de Almería"

Recomiendo ir a verla, la obra lo merece, pero además al tener ante ella un mirador que nos muestra un bellísimo paisaje, regresaremos a Almería pletóricos de belleza

Claustro de la Catedral , Iglesia de San Pedro.

2010-07-15T16:35:00.000+02:00

Comencemos hablando de su arquitecto.

Juan Antonio Munar.

Arquitecto que trabajan en Almería en el transito del siglo XVIII al XIX, y que junto a Ventura Rodríguez autor del trascoro de la Catedral, introduce el estilo Neoclásico en la ciudad con dos grandes actuaciones, el Claustro de la Catedral y la iglesia de San Pedro, además de la ampliación del Hospital de Santa Maria Magdalena y la finalización de la fachada de San Sebastián, el retablo, tabernáculo y el órgano de este templo.

Munar nace en Madrid y se forma en la Academia de Bellas Arte de San Fernando teniendo como maestro a Ventura Rodríguez, aunque nunca llego a terminar los estudios y alcanzar la titulación.

Llega a Almería en torno a 1777 propuesto por Ventura Rodríguez a la diócesis de Almería. Siguiendo a Gil Albarracin en su obra “El templo parroquial de San Pedro“, podemos decir que era un hombre de gran habilidad técnica y con muevas propuestas arquitectónicas, que choca pronto con los arquitectos locales y en especial con Francisco Iribarne, arquitecto mayor de Almería, que ve en Munar la causa de todos sus males; por celos y envidias lo denuncian por la ruina de la iglesia de Olula del Río. La calumnia llega a los tribunales y la Cámara de Castilla le embarga bienes y salarios y le encarcela en 1788; permanecerá encarcelado tres años, y tras su liberación dirigirá las obras en la iglesia de Benadux, la iglesia de Pulpí, y el nuevo cementerio de Belén en extramuros de Almería.

Podemos decir que es el responsable de la arquitectura religiosa almeriense de finales del siglo XVIII, y que con él, comienzan las primeras y más importantes manifestaciones Neoclásicas de la mano de las dos grandes instituciones que en este momento siguen detentando la mayor parte del poder económico de la ciudad, el cabildo catedralicio y el convento de San Francisco.

El claustro de la catedral

Desde la construcción de la catedral a mediados del XVI, en su parte sur quedaba un amplio recinto amurallado con torreones defensivos en sus ángulos, que fue siendo utilizado como patio de armas o huerto.

En 1779 el cabildo decidió construir en este recinto un cementerio y un claustro, propuesta que se realizo a la Real Cámara su Majestad. Y será en febrero de 1786 cuando se reciba la aprobación de su Majestad para la construían de acuerdo al proyecto presentado por Juan Antonio Mumar

Como observamos en la imagen, el claustro tiene planta rectangular y se abre al patio con grandes arcos de medio punto de rosca moldeada y clave en resalto, que descansan sobre pilares a los que se adosan medias columnas de orden jónico que sostienen un entablamento rematado por una gruesa cornisa.

La galería interior se organiza en tramos cuadrados separados por arcos de medio punto, y cuyos espacios se cubre con bóvedas baídas.

El conjunto muy acorde con el severo clasicismo que preconizaba la Academia, significaba un cambio en relación al gusto barroco que dominaba en esa época en las construcciones religiosas almerienses, y además choca con el resto de la catedral que se caracteriza por ser un edificio cargado de decoración, al seguir los estilos Gótico final, Plateresco, Barroco.

La construcción del claustro fue una obra no exenta de problemas, el cabildo promotor de la obra que se iniciara en 1779 la paraliza en 1788, porque considera que el estilo arquitectónico era opuesto al de la catedral, y porque además el arquitecto estaba desmontando luces, cornisas y arranque de los arcos del muro sur de la iglesia, lo que era cierto. La realidad era que se enfrentaban dos posturas contrapuestas, la de la asamblea catedralicia partidaria del estilo barroco y la del arquitecto Munar imbuido por propuestas neoclásicas de la Academia de San Fernando como nos dice Muñoz Villanueva en su obra “Urbanismo y arquitectura en la Almería moderna”Iglesia de San Pedro

La iglesia de San Pedro

Fue la iglesia de convento de San Francisco, fundado por los Reyes Católicos tras la conquista de la ciudad en el siglo XVI. Convento que por el terremoto de 1790 sufrió grandes daños siendo necesario construir una nueva iglesia, el proyecto se encarga a Juan Antonio Munar que la diseña de estilo Neoclásico.

Desamortizado el convento el 1835, la iglesia paso a ser parroquia, denominándose desde entonces parroquia de San Pedro.

Analicemos un poco la iglesia comenzado por su preciosa y armónica fachada de estilo neoclásico.

La fachada enmarcada por dos torres retranqueadas, lo que contrarresta en buena parte la verticalidad del conjunto; el cuerpo central como observamos esta concebido en dos pisos separados por una cornisa, estando el inferior porticado dejando al fondo la puerta de entrada al templo, semioculta bajo el pórtico, con un encuadramiento de arquitrabe y un frontón curvo en cima sobre mensuras y cartela en se centro, dentro del más puro estilo académico.

El piso superior dividido en tres calles por pilastras de estilo jónico sobre las que descansa un entablamento clásico; la calle central esta calada por una ventana profunda y decorada sobre la clave del arco con un puttin; el conjunto se remata con un frontón triangular cuyo tímpano esta calado por un óculo y una cruz remata el vértice más alto

En su conjunto la fachada de San Pedro podemos decir que esta dentro de la escuela arquitectónica de Juan de Villanueva, por su marcado clasicismo, por el contraste de luces y sombras consecuencia de los distintos planos de la fachada y el pórtico, por algunas forma decorativas (mensulas, pirámides herrerianas…) y por la técnica constructiva que mezcla de piedra de cantería y ladrillo.

En la fachada hemos visto decorando el segundo piso, pilastras jónicas, elemento que se va a poner de moda en la arquitectura domestica de Almería hasta el Eclecticismo, para comprobarlo no tenemos más que observas en el Paseo las pocas casas que se han salvado del desastre urbanístico de los años 60.

Interior de la iglesia.

La iglesia de tres naves, carece de crucero y de cúpula, aunque el crucero aparece insinuado por el cambio del tipo de bóveda del último tramo de las naves laterales. Las consecuencias de esta elección son:
La falta de crucero deja a la iglesia sin eje perpendicular que contrarreste el alargamiento de la nave central.
El no tener cúpula impide la aparición de un eje vertical calado al exterior, lo que resta luminosidad al interior.
Pero la falta de crucero y cúpula aumenta la horizontalidad y uniformidad del templo, muy de acuerdo con el diseño clásico del edificio.
Desde un punto de vista histórico, la ausencia de crucero puede estar relacionado con las iglesias mudéjares del XVI, a cuyo estilo pertenecía la antigua iglesia del convento destruida por el terremoto, de de la que nos queda una capilla en el ultimo tramo del lado sur.

Las naves separadas por gruesos pilares con arcos formeros de medio punto, se decoran en la nave central con dobles pilastras de orden jónico y se cobre con bóveda de cañón con arcos fajones dobles y lunetos bajo los que se abres vanos.
En las naves laterales los pilares se decoras con pilastras toscaza, y se cubren con bóvedas de arista.
Los dos últimos tramos de las naves laterales se cubren con bóvedas baídas

Almería, lugares y edificios . I

2010-06-25T18:29:00.000+02:00

Inicio el recorrido en el siglo XVIII, ¿por qué? quizás por la reciente visita a la Comarca de los Vélez, Comarca a la que cadáver que me acerco me atrapa, y en la que nos encontramos con una riqueza natural y patrimonial impresionante

Pero antes de comenzar situémonos en la Almería del XVIII, una Almería caracterizada por el desarrollo demográfico, socioeconómico y de gran esplendor artístico y cultural gracias a la desaparición del peligro berberisco, que amenazo secularmente a Almería, gracias al desarrollo de la agricultura, el perfeccionamiento de las técnicas de pesca, la reactivación del comercio marítimo, y no olvidar el resurgir de la explotación minera que tanto esplendor dará a la provincia y a la ciudad en el siglo XIX.

Al rastrear los edificios construidos en este siglo, como es normal y adaptándose a las modas de la época, nos encontramos dos corrientes arquitectónicas:
• La Barroca y su variante el rococó, en la primera mitad del siglo, representando el estilo característico del Antiguo Régimen
• El Historicismo que comienza a configurarse en la segunda mitad del siglo; que el la expresión del Estado Burgués.
En lo que respecta a Almería, en el historicismo podemos distinguir en su desarrollo tres etapas: el neoclasicismo, que aparece con claridad en la última década del siglo y que se prolongara a lo largo de XIX, el Eclecticismo y la Crisis del Historicismo

Empecemos con edificios de estilo barroco, estilo que venia desarrollándose en Almería desde el siglo XVII, con su característica búsqueda de movimiento en los elementos constructivos o decorativos, con contrastes de materiales, texturas, luces y sombras, que dan al conjunto una gran teatralidad, y crea en iglesias o retablos un escenario propicio a la sorpresa, con el fin de comunicar a los fieles el dogma católico, tal como indicaban los principios de la Contrarreforma. Como ejemplos tenemos en la Provincia: la Iglesia parroquial de de la Encarnación en Vélez Rubio y las Iglesia de de Laujar y Fondón.

Iglesia de de Vélez Rubio

Es el edificio religioso más característico, e importante del Barroco Almeriense del S. XVIII
Se construye, entre 1753 y 1768, por orden del décimo Marqués de los Vélez, Antonio Álvarez de Toledo, en el solar de la antigua iglesia de San Pedro, destruida por el terremoto de 1751 y de acuerdo con el proyecto de Fray Pedro San Agustín

De aspecto solidó, la Iglesia es de planta de cruz latina, presenta tres naves separadas por grandes pilares decorados con pilastras de orden corintio, y una enorme cúpula con tambor sobre pechinas cubre el crucero .

Cuenta con numerosas capillas laterales, destacar en una de ellas la escultura de San Antonio de atribuida a Salzillo.

En el ábside podemos admirar un magnífico retablo de madera realizado por Francisco Zesta (1769-1777
En los pies sobre el coro el órgano Gregorio Denoyen

La portada está concebida a modo de retablo, enmarcado por dos torres cuadradas de considerable altura (37m), rematadas con sendos cuerpos octogonales.

Portada típicamente barroca con dos pisos separados por una cornisa y divididos en tres calles por pilastras, configura un auténtico repertorio de elementos decorativos barrocos, destacar el escudo de la Casa del Márquez de los Vélez en el primer piso, y el medallón con el relieve de la Anunciación decorando el ático.

Declarada Monumento Histórico Nacional en 1981

Después de estas notas sobre el edificio, me gustaría, mostrar los comentarios que sobre la Iglesia y la comarca de los Vélez, hace un viajero anónimo en 1891 y que se recoge en la obras “LAMERÍA VISTA POR LOS VIAJEROS

Sobre la Iglesia nos dice:

“Su iglesia es espaciosa y, por hallarse en la cima de la colina en que está situada, disfruta de excelentes luces. Su construcción es esbelta. Por cierto que la han pintado interiormente con tan pésimo gusto que, a prescindir del objeto a que se dedica, por la pintura parecería un mal teatro de aldea. Fondo blanco con ramos azules en las cenefas, y éstas cerradas con anchas listas verdes claras; habrá que convenir en que el pintor fue de brocha bien gorda, y el cura que autorizó la pintura debía estar reñido con la estética. De todos modos es un templo hermoso por lo grande y elegante; magnífica nave central con espaciosos corredores a los lados que terminan en lo que se llama crucero,
una media naranja elevadísima, un coro de grandes dimensiones, y otras galerías con tribunas espaciosas y de gusto en el plano del coro, y una cornisa de real mérito artístico. Desde las dos torres que ostenta se distingue un soberbio panorama que encanta la vista y espacia el ánimo. Dícese que fue construida a expensas del marqués de los Vélez, por lo que en el frontis (que
es bueno) se ve grabado el escudo de Villafranca. La iglesia está dedicada a la Encarnación.”

Además nos habla de la riqueza del pueblo y sobretodo nos expone las razones por las cuales no es un pueblo mucho más prospero a fines del XIX, y dice:

“La población tiene forma triangular y hay proyectadas muchas mejoras, como la apertura de nuevas calles, ensanche, traída de aguas desde la montaña próxima que la abriga por la parte Norte y algunas otras. Si el ferrocarril se realiza se pondrá a la explotación muchas minas de diferentes metales, aguas ferruginosas muy ricas, mármoles y jaspes de gran valor, frutas y hortalizas riquísimas, cereales de buena calidad, aceites, vinos, harinas de que hay 22 fábricas y 2 fábricas de hilados de lana, y en las cuales se teje algo. Tiene además canteras de piedra de construcción, piedra que tiene cualidad de endurecer más con el tiempo. Vélez Rubio es, pues, un pueblo que tiene vida propia y que con caminos y líneas férreas sería acaso el primero de la provincia.”

¿ Cuales son para este viajero los razones del” retraso””

“Después de 5 horas de descanso, seguí la cuesta de mi calvario, dando comienzo con la rotura de un muelle del desvencijado coche al entrar en la rambla del Puerto.

Sustituido el vehículo, rambla y cuestas arriba continuamos hasta llegar a la carretera, terminada unas tres leguas antes de llegar a Vélez Rubio. Camino lleno de accidentes y, por tanto, agradable y poético en suma Desde el camino que discurríamos veíanse trechos de carretera donde ni un solo peón vislumbré. Y no podía menos de admirarme que una población tan importante como Vélez Rubio se hallase tan poco accesible al viajero. Que la carretera está embastada es indudable; pero que, dada la actividad que en su confección se nota,
Dios sabe cuándo se terminará, también es verdad. Y no lo es menos que, al ver este abandono, la loca de la casa me lleve a la conclusión de que los pueblos que gozan de tan buenas vías como Vélez Rubio, bien pueden trabajar
y sacrificarse para nombrar a sus representantes. ¡Les deben tanto! Es verdad que promesas no faltan. Hasta para un ferrocarril ¿Se cumplirán? Sin duda, siquiera sea ad kalendas graecas. En fin, el hecho es que las ilusiones existen, y éstas hacen más llevadera la vida. "

¿Nos identificamos en algo…?

La espectacularidad e importancia de la Iglesia, y su casco urbano lleno de casas blasonadas, merece una excursión. Pero además tengamos encuentra que en nuestra visita a la comarca de los Vélez podemos acercarnos a otros dos momentos de nuestra historia: la Cueva de los Letreros y el Castillo-palacio de Vélez Blanco.

La Cueva de los Letreros.

Su visita nos transporta al tercer Milenio y es uno de los conjuntos de pintura rupestre importantes de la Península Ibérica.

El yacimiento localizado en una zona agreste, tiene unos 25 metros de anchura, 10 de altura y 6 de profundidad, lo que nos hace pensar que no fue un lugar de habitación, sino un recinto dedicado a las diversas ceremonias religiosas relacionadas con el culto a los animales.
En las pinturas de la Cueva, como observamos en la imagen, aparecen representados animales, figuras humanas y diferentes símbolos, que nos plantea el interrogante ¿Arte o religión?..

Dentro de las representaciones naturalistas destacan figuras de arqueros, hechiceros e ídolos; los animales representados son los ciervos y las cabras monteses, que eran las especies principales de la fauna de la zona y que por tanto serian la base de la alimentación de esos habitantes

Tanto las figuras humanas como la de los animales son de tamaño pequeño representadas con una gran expresividad, sensación de movimiento y realizadas en color ocre

Las representaciones esquemáticas, verdaderos ideogramas cuyo significado se nos escapan y podrían suponer el origen de un alfabeto ideográfico.

Merecen una visita ¿verdad?

Gustavo Glillman. Su legado histórico

2010-04-20T21:15:00.000+02:00

En esta tarde de primavera he tenido la suerte de encontrarme, en el Patio de Luces de la Diputación Provincial, con la figura de un personaje muy interesante, el ingles Gustavo Giman, ingeniero de minas y obras civiles, al que su trabajo trajo a nuestra provincia a finales del XIX, como jefe de obras primero y después como director de la The Great Southern of Spain Railway Compani, encargada de realizar las obras de ferrocarril entre Baza y Águilas.

Es un hombre que habla once idiomas, le interesa el dibujo, la pintura, la música , pero sobretodo la fotografía, siempre iba acompañado de su cámara de fotos, fotografiando todo lo que le rodea , algo corriente en la actualidad pero nada frecuente en esa fechas.
Y en fotografía es considerado uno de los pionero de nuestra provincia, ya que introduce la fotografía en color “Autocromo” en 1907. Se trata de una imagen de Cuevas del Almanzora.

Hombre muy ligado a la minería almeriense, nos ha dejado un legado fotográfico, que no solo puede satisfacer a los curiosos del pasado, sino que es un magnifico documento histórico para el análisis de cambio de siglo en Almería.

Puerto de Almería

A los que por casualidad leáis estas breves líneas os recomiendo visitar las dos exposiciones que se celebran hasta el 23 de abril en el Patio de Luces de la Diputación y en Sala de Exposiciones de Unicaja.

Yo seguiré analizando al personaje y su obra, y algún día ampliare estas líneas

El Cable Ingles

2010-03-12T18:52:00.000+01:00

En el siglo XIX la minería y el tren eran los sectores económicos del futuro. Iban juntos y creaban riqueza donde aparecían, y aparecieron en el sureste español, una de las zonas más atrasadas de la Península y en especial nuestra provincia, Almería.

Fueron los intereses mineros, los que en tormo al año 1870 consiguieron el trazado de la línea de ferrocarril Linares-Guadix-Almería, y una de las principales terminales de esta línea se conserva en la playa de las Almadrabillas de Almería

Paralelamente a la construcción del ferrocarril Linares-Almería se comenzaron a explotar las minas de hierro de la comarca del Marquesado, en Granada, estableciéndose allí dos compañías mineras, The Alquife Mines, y Bairds Minig, cercanas entre sí, pero muy distanciadas en sus relaciones. Esta fue la causa por la que cada una de ellas contara con un ramal propio hasta la línea general (La Calahorra, y Huéneja, respectivamente), así como de un embarcadero propio cerca del puerto de Almería: El Cable Inglés de las Almadrabillas (1904), y el Cable de la Playa de San Miguel (1918).

El Cable Inglés, Fue construido por la compañía británica "The Alquife Mines and Raitway Company" entre 1902 y 1904. El proyecto fue redactado por el ingeniero escocés John Ernest Harrison (Glasgow 1860-1947) y firmado por el ingeniero español Andrés Moche, discípulo del francés Eiffel.

Su construcción y puesta en funcionamiento significo una revolución en el sistema de embarque del minera, que hasta esa fecha, era lento, pesado, costoso por el nº de mano de obra necesaria y de un rendimiento escaso; cargaban unos 350 hombres 1.000 toneladas, en diez horas .

El Cable Ingles es una obra de ingeniería, en un principio iba a realizarse de madera y más pequeño.
Se diseño para utilizarlo como medio de transporte, almacenaje y embarque del mineral procedente de las minas de hierro de Alquife (Granada) por vía marítima. Esta estructura diseñada como muelle de agua profunda, permitía el atraque de buques de gran tonelaje a ambos lados, un sistema de almacenaje de mineral, que al encontrarse a gran altura posibilitaba la descarga por la acción de la gravedad.

La estructura del cargadero se adentra y asienta sobre fondo marino y está unida a la estación de Almería por un ramal aéreo. Este ramal terrestre está realizado, en su inicio sobre arcos de mampostería, para posteriormente iniciar los tramos de acero, en su parte superior corren cuatro vías por las que circulan las vagonetas, que se adentran en el cargadero y depositan el mineral en cajas almacén cuyo fondo inclinado hacia el exterior permitía el desplazamiento del mineral a ambos costados del embarcadero, y cargar dos barcos a la vez a través de unas vertederas que depositan el mineral en la bodegas de barcos de unas 8.000 toneladas en 10 horas

Se trata de un singular ejemplo de la arquitectura industrial de la provincia, que fue inaugurado el 27 de abril de 1904, SM. el rey Don Alfonso XIII.

Obra representativa de la arquitectura del hierro desarrollada en Almería durante la segunda mitad del siglo XIX (Mercado Central, Estación del Ferrocarril).
Desde esa fecha y hasta hoy ha sido un elemento singular del paisaje y de la vida almeriense

2010-03-12T14:12:00.000+01:00

ALBERTO DURERO

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Virgen abridera

2009-12-26T13:54:00.001+01:00

Imágenes de la Virgen abridera (anónimo del siglo XIV).

Madera de ébano y marfil

Son imágenes de devoción que representa a la Virgen con el Niño sentado en su regazo, talladas en madera o marfil, se abren por delante, con la ayuda de una bisagra, de manera que abiertos los dos postigos se convierten en una especie de tríptico.

El interior está habitualmente esculpido, pero también puede estar decorado con pinturas. Según la temática esculpida o pintada en su interior distinguimos varios tipos: la Trinidad, la Encarnación …

Son Vírgenes extrañas y difíciles de encontrar por haber sido destruidas por La Inquisición en los siglos XVI y XVII, al surgir la duda de si era moralmente correcto ver “el vientre” de la Virgen.
Pero si nos guiamos por las menciones que sobre Vírgenes abrideras encontramos en los inventarios reales o principescos, el número debió ser considerable a fines de la Edad Media.

Virgen de Allariz. Siglo XIII

Tallada en marfil

La Virgen de Allariz una de las dos conservadas del siglo XIII, en su interior muestra el misterio de la Encarnación.
Perteneció al Rey Alfonso X, estos días podemos admirarla en la exposición que sobre el Rey se celebra en Murcia.
Junto a este ejemplar de Virgen abridera, podemos contemplar los cuatro códices que conforman las Cantigas de Santa María, 427 poemas e himnos litúrgicos que narran los milagros de la Virgen y reflexionan sobre la figura de María. No puedo olvidarme de la profusión de miniaturas que embellecen los códices.
Además la exposición nos muestra, las Siete Partidas, redactadas entre 1256 y 1265, la obra jurídica más importante de Alfonso X, en lengua vernácula y que fue concebida como un tratado de derecho civil, penal y eclesiástico que regulaba todos los aspectos de la vida.

En definitiva la exposición nos muestra a un rey adelantado a su tiempo, amante de la cultura, aficionado a la astronomía, el ajedrez y renovador de leyes de acuerdo a un modelo centralista frente al sistema de privilegios de la nobleza

Cantigas de Santa María

2009-12-26T13:49:00.001+01:00

Baltasar Lobo. Al sol de Almería

2009-11-22T18:29:00.000+01:00

La Plaza de las Velas se nos ha engalanado, de forma temporal, con figuras escultóricas de formas redondeadas y pulidas del escultor zamorano Baltasar Lobo

Unas breves notas sobre Baltasar Lobo.

Baltasar Lobo nació en 1910 en Cerecinos de Campos, Zamora en el seno de una familia de artesanos. Criado en el taller de carpintería de su padre, desde pequeño muestra habilidad para el dibujo y el modelado. Con 12 años el padre lo manda al taller del escultor-imaginero Ramón Núñez en Valladolid, para que aprenda la talla en madera, a la vez estudia modelado en la Escuela de Artes y Oficios. Una beca le permite ingresaren, con 17 años, en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, estudiando talla en madera y mármol, pero pronto deja de asistir a clase y pierde la beca. Para algunos autores la razón del abandono esta en el choque con las viejas teorías y practicas de una escuela que lleva siglos sin renovarse. En Zamora asiste a cursos nocturnos de dibujo en la Escuela de Artes y Oficios, y frecuenta el Museo Arqueológico donde descubre el arte ibérico.

Desde joven toma partido por las clases más desfavorecidas de la sociedad, realizando con tan solo 16 años una escultura en escayola para la Diputación Provincial de Zamora conocida como “El esclavo”, en la que se puede observar a un esclavo intentando librarse de sus ataduras

Por la obra de Madrigal; “Arte y compromiso. España 1917-1936”, sabemos que no solo se posiciona en defensa de las clases más desfavorecidas de la sociedad, sino que con 19 años inicia sus primeros contactos con el movimiento libertario a través de Ángel Garzón, miembro de la CNT y dueño de un taller en Madrid en el que trabajaba Baltasar como tallista. A esta influencia se suma la de Mercedes Guillén, abogada, educadora y una de las fundadoras de la agrupación anarquista Mujeres Libres con la que inicia una relación sentimental e 1933.

Al estallar la Guerra Civil, Baltasar junto con toda su familia abandona Zamora y se instala en Madrid.
En estos años realiza dibujos y participa en el diseño de publicaciones como Tierra y Libertad, Castilla Libre, Frente Libertario y Mujeres Libres. Colaboraciones que le van dando fama como gran dibujante pero además marcan su compromiso político

Quizás lo más interesante, de esta época, será un dibujo que Baltasar Lobo realiza en 1936, donde plasma su visión de los horrores de la guerra, siendo un anticipo al famoso “Guernica” de Picasso, pues con estilos diferentes muestran ambas obras un misma realidad.

Su participación en el bando republicano, le obligará tras la victoria franquista, a abandonara España y establecerse en París junto a su esposa Mercedes Guillén, se instalan en el taller abandonado por Naum Gabo, en el barrio de Montparnasse, lugar de gran efervescencia cultural y artística, donde pasaría el resto de su vida hasta su muerte, en 1993

En París, capital del arte moderno, entabla pronto amistad con Pablo Picasso y el escultor Henri Laurens, en cuyo taller trabajará unos años, años importantes en su obra pues Henri Laurens influirá en tres de las características que observamos en la obra de Baltasar Lobo: el simplificar las formas, su afición por los volúmenes curvilíneos, así como su concepto de estructuración poscubista de la escultura. Características que ira perfilando durante la década de los 40 con una creciente abstracción y depuración de las formas.

Su interés por estudio del desnudo femenino se traducirá en una iconografía repleta de “bañistas” y “maternidades” Y será a partir de los años 50 cuando veamos a un Baltasar Lobo maduro con un lenguaje propio que auna en sus esculturas la rotundidad de volúmenes con una gran perfección en el modelado de las formas, especialmente en las piezas realizadas en mármol y bronce pulidos

De un repaso por su obra se desprende que la trayectoria escultórica de Baltasar Lobo contiene tres fases, una primera, en la que trabaja el barro y la madera, y una segunda de mármoles y metales. La tercera, la de la fundición en bronce, de cuidado exquisito

Al recorrer la exposición lo que más me ha llamado la atención ha sido:

La “Maternidad”, donde la madre adopta una posición recostada alzando en brazos a su hijo

La pureza de los volúmenes y sobre todo, la reducción de las formas a lo más esencial.

La limpieza y simplicidad de sus formas ovoides

El ver como las formas se estilizadas rayando en lo abstracto, sin perder, por ello, su origen eminentemente figurativo.

Man Ray

2009-11-02T18:20:00.000+01:00

Su verdadero nombre era Emmanuel Radnitzky. Nació en 1980 en Filadelfia (Estados Unidos) de familia judía. Su familia se traslada a Nueva York en 1897, donde conoce Alfred Stieglitz regente de la Galería 291, su amistad le permite desde muy joven encontrarse con la pintura de Matisse, al tiempo que va viendo los cambios en el mundo del arte. En 1921 se traslada a París, donde permanece hasta 1940, serán sus años más fructíferos como creador, fue dadaísta, surrealista, fotógrafo mundano, fotógrafo innovador, creador de objetos, pintor, cineasta, colaborador de distintas revistas, cronista excepcional de Paris. Su condición de judío le obliga a escapar de Francia e irse a Nueva York, con Dalí y Gala, desde allí a Hollywood ; en cuanto puede regresa a Paris, donde se había hecho como artista, muere en 1976 y está enterrado en el cementerio de Montparnasse.

Man Ray esta considerado como uno de los fotógrafos más importantes del dadaísmo estadounidense de la primera década de siglo XX, así como del surrealismo europeo de los años veinte y treinta.

Siempre al frente de las vanguardias, trabajó con todos los medios posibles: pintura, escultura, fotografía y películas

Intuitivo y poseedor de una gran imaginación su obra se reparte entre bodegones y naturalezas muertas por un lado y retratos y desnudos de mujeres fatales por otro.

Sus primeros trabajos los realiza dentro de la corriente cubista, en 1913 pinta su primer cuadro cubista, un retrato de Alfred Stieglitz, su amigo; pronto comienza a hacer investigaciones de pinturas con aerógrafo como Seguidilla (1919). Adquiere su primera cámara para hacer fotos de sus cuadros y nace en él gusto e interés por la fotografía. Tratara de crear un nuevo arte, combinando la pintura y la fotografía para llegar a la mayor confusión entre una y otra. Muy pronto se encuentra elaborando y fotografiando elementos abstractos sacados de objetos cotidianos como Gift (1921).

Ya en la década de los veinte consigue ser fotógrafo profesional y desarrolla la técnica de la fotografía sin cámara, cuyo resultado eran imágenes en blanco y negro, las llamadas rayografías, que consisten en poner objetos tridimensionales en el papel fotográfico, y luego exponerlo reiteradamente a una luz móvil. Se obtienen grabados con relieve. Esta técnica es más bien conocida como fotograma en la actualidad y reservamos el nombre Rayograma para una técnica similar donde se proyectan manchas a un material fotográfico

Muchas de sus rayografías llaman la tención por la temática, hay planchas, tijeras, alfileres, etc quizás se deba a la influencia que dejo en él la observación del taller de costura familiar. Y quizás también por eso fue fotógrafo de moda. Y sin duda el fotógrafo del glamour. Sus modelos son personajes ya míticos como Chanel o Lanvin, Peggy Guggenheim, la vizcondesa de Noailles o su amante Meret Oppenheim, a las que hace posar junto con obras de arte clásico. Retratos interesantes por su valor documental, y por ser una reflexión cercana a lo psicología del personaje.

Foto que podemos encuadrar en la temática del autor, pero que pertenece al fotografo Chema Madoz

Entre amigos y colegas de Montparnasse retrata a Gertrude Stein, Dalí , Gala, Picasso, Hemingway, James Joyce, Jean Coucteau, Le Corbusier, Juan Gris, retratos a los que sus efectos de luz especiales dotaban de una atmósfera mágica.

Como fotógrafo de moda y publicidad fue muy criticado por el aspecto comercial de las fotografias, pero la plástica de sus trabajos en las revistas “ Vogue” y Bazaar” era muy admirada

Joan Miró

Al observar su obra, podemos incluir los rayogramas, nos encontramos con composiciones muy estudiadas, que transcienden de lo cotidiano para tomar vida propia y formar parte de un mundo onírico, en el más puro estilo surrealista, en el que las cosas no son lo que son. No se trata de fotografiar la realidad sino de recrearla
Sus desnudos, casi teatrales, nos presentan, en perfecto equilibrio, a mujeres llenas de atractivo sexual, pero que entran a formar parte de un juego compositivo.

El violín de Ingres

En “El violín de Ingres” Man Ray da a las formas redondas de la joven el sentido de cuerpo sonoro de un instrumento, alumbrando al mismo tiempo toda una cadena de asociaciones condicionadas
Al observarlo es inevitable pensar en la importancia de los instrumentos de cuerda para los cubistas, quienes en sus naturalezas muertas incluían mandolinas, violines y guitarras. No obstante, en estos estudios analíticos del espacio, los instrumentos eran simplemente material muerto, sin ningún efecto sensual, en tanto que Man Ray dota a su fotografía de una especial capacidad erótica. En la foto, Man Ray recoge a través del turbante de la modelo el ambiente oriental tan de Ingres, aunque ironiza sobre la excesivamente fría atmósfera erótica de sus escenas orientales. El título de El violín de Ingres evoca la larga tradición de la ejecución musical como alegoría del juego amoroso, aunque desde la perspectiva de Man Ray el instrumento está en este caso directamente a disposición del solista

Man Ray y el cine.

Tras su vuelta a Estados Unidos, en los años 40, colabora activamente en varias producciones cinematográficas de Hollywood, como había hecho ya en sus años de juventud. Su pintura se vuelve más americana, el dibujo es limpio, el discurso elemental y las imágenes rotundas.

Dentro del surrealismo filmó varias películas como "Le retour à la raison" (1923), "Emak Bakia" (1926), "L' étoile de mer" (1928) o "Les mystères du Château du dé" (1929). Sus últimos trabajos los realiza en Estados Unidos, concretamente en Hollywood durante la década de los cuarenta, participando en la película de H. Richter "Dreams that money can buy" (1944) y pintando la serie Ecuaciones shakespearianas (1948).

Pero ¿Por qué Paris?

Muchos norteamericanos, y entre ellos Man Ray, acudieron a Paris cegados por la vieja Europa liberal que lo aceptaba todo, lejos de los Estados Unidos, de la prohibición, el puritanismo, la mojigatería; además de por sus económicas condiciones de vida y las facilidades que se ofrecían a la expansión cultural.

En la década de los veinte dos centros principales de reunión atraían en la ciudad: la casa de Gertrude Stein y la librería de Sylvia Beach.
Stein pertenecía a una rica familia judía y junto a su hermano Leo se dedico a coleccionar arte. Fue una de las primeras promotoras de Picasso y a sus cuadros unió los de Matisse y Braque y de la anterior generación se aficionó a Cezanne. Junto a su compañera Alice B. Toklas mantenía un salón que era muy frecuentado por el propio Picasso, Hemingway y Ezra Pound. Sus valoraciones estéticas eran muy respetadas y podían edificar o destruir una reputación en una tarde de comentarios irónicos.
El periodo entre Guerras, fueron años en los que se pretendió liberar al hombre de las compulsiones civilizadas, del sensualismo ramplón y el letargo adonde es conducido por la organización social. Los surrealistas querían cerrar el camino a la razón y encontrar el vigor original de cada ser, hallar la reserva de energías, emancipar el espíritu sometiéndolo a una anarquía que le entregara su fuerza vital, su auténtica individualidad. Fue un intento de develar la fantasía y el absurdo que subyacen en lo cotidiano, de mostrar la magia que late en la aparente rutina, de hallar lo maravilloso que existe en lo real, hallar lo que de general hay en lo particular, subrayar lo universal en lo nacional. Fue una era donde se enfatizó la importancia del subconsciente y la irracionalidad, se manifestó una realidad diversa a lo evidente. La sublimación de los sueños y la libre experimentación con las formas presidieron todos los intentos creativos. Fue un tiempo de ruptura de tradiciones y de invención sin medida. Ello coincidió con los avances científicos y tecnológicos que permitieron considerar otros puntos de vista en la expresión artística y facilitó los medios de elaboración del producto cultural. Desembocó en un arte libre.

Retrato de la Marquesa Casiti 1922

Por ultino una curiosidad sobre el retrato de la Marquesa Casiti. En su autobioglafia Man Ray la cuenta y dice que el retrato fruto del azar. El lugar en el que se tomaron las instantáneas, la luz provenía de una istalación electrica vieja, por lo que pidió a la Marquesa que permaneciera lo mas quieta posible, pero ella posó como si se le estuvieran filmando; cuando revelo los negativos todas ellos mostraban la imagen barrida. Pasado un tiempo la Marquesa pregunto por las fotos, le dijo que no valian, ella insistio en verla, le mostro la que observamos, dode se distinguen tres pares de ojos, esto se podia tomar como una versión surrealista de una Medusa, le encantaron y dijo que habia hecho un retrato de su alma y le encargo una docena de copias

Giovanna Tornabuoni

2009-10-19T18:59:00.000+02:00

Giovanna degli Albizzi de Tornabuoni nacida en 1468, pertenece a una familias importante de la ciudad de Florencia, familia de grandes mercaderes con mucha influencia desde el Trechento, y vinculada por lazos de matrimonio con la familia Médicis, el padres de Giovanna era hijo de un Médicis y su primera esposa era una Médicis. De su segundo matrimonio nace Giovanna, una de las 12 hijas del matrimonio; gran desafió para Masso de Luca, conseguir marido adecuado para las diez hijas que le viven; pensar que tenían que ser bien dotadas y en estas fechas la dote, para una chica de este rango, estaba en torno a los 800 ó 1.000 florines, una fortuna; Masso de Luca tuvo que hacer milagros y además recurrir a parientes y amigos para que le presten dinero.

Giovanna degli Albizzi contrajo matrimonio, a los 17 años, con Lorenzo Tornabuoni, matrimonio concertado por interés, que puso fin al enfrentamiento antiguo entre las dos familias; pero Giovanna y Lorenzo tuvieron suerte, eran dos chicos jóvenes e inmediatamente se sintieron atraídos el uno por el otro, poco duro , Giovanna murió a los dos años del matrimonio durante el embarazo de su segundo hijo.

Observemos su retrato

¿Qué podemos destacar del retrato?

El pintor ha elegido el formato de perfil, característico de los retratos italianos hasta mediados del XV, pero en la época en que lo pinta Domenico Ghirlandaio, este tipo de retratos no estaba de moda, ¿por qué entonces?
A Giovanna la representa en un espacio cerrado, sobre un fondo sobrio, también arcaizante, la moda se decantaba en estas fechas por retratos con paisaje de fondo, ¿por qué entonces?
Quizás se quería evocar un tiempo pasado, y el formato de perfil le da, además, cierta lejanía a la retratada. Lo que no es inadecuado para un retrato póstumo No se retrata a una persona viva, sino que es el retrato de un ideal estético, moral y espiritual.

Esto lo podemos afirmar si tenemos encuentra la inscripción del cartelillo pintado en la tabla. Es un retrato póstumo, encargado por su suegro a Domenico Ghirlandaio, que ya la había pintado en uno de los frescos del conjunto de la capilla mayor de Santa María Novella. En estos frescos Giovanna ocupa un lugar relevante dentro de la escena en la que se representa la “Visitación”; colocada a la derecha de la composición, encabeza un cortejo con dos figuras más, y aunque de cuerpo entero, repite la postura, el traje y los adornos que muestra en el retrato.

Si continuamos observando la tabla, vemos que el pintor se recrea en los detalles que acompañan a la figura de Giovanna eje de una composición muy geométrica donde el cuerpo forma ángulo recto con los brazos.
Me asombra la minuciosidad con que pinta el colgante que luce al cuello, o el broche que aparece sobre la hornacina, quizás se deba a gusto que tiene Ghirlandaio por los trabajos de orfebrería; él se inicia en el taller de orfebrería de su padre.

Sorprende la simbología que acompaña al retrato:

El pequeño libro, “libro de oras” que regalaban los padres a las hijas al casarse y que simboliza la piedad y pureza de la joven.
El cordón de cuentas de coral que aparece al fondo, no se trata un rosario, sino de un collar para proteger a los recién nacidos del mal de ojo. En muchos de los cuadros de Piero della Francesca lo encontramos colgados del cuello de los niños que acompañan a sus madomnas.
El pañuelo entre las manos, signo de distinción social en la Florencia de la época
El peinado, donde se mezcla erotismo y pudor; suelto y rizado el las sienes, como seria el peinado de Venus diosa de la belleza y del amor, y recogiendo el resto en la nuca, dándole un carácter de pudor

En definitiva es un retrato elegante, lleno de delicadeza y belleza, un bonito retrato que suelo disfrutar cada vez que acudo al Museo Thyssen Bornemisza

Retrato que no deja indiferente y que también podemos ver interpretado por el pintor argentino

Martín La Spina

Nace en La Plata, Argentina en 1973. En 1999 se gradúa como Profesor y Licenciado en Bellas Artes (orientación pintura) en la Facultad de Bellas Artes (Universidad Nacional de La Plata). Distinción J. V. González, a los mejores promedios egresados de la UNLP. Ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas, y participado de salones de dibujo , pintura y arte en Vidrio desde 1989 hasta la fecha, Habiendo recibido premios y menciones por su labor artística.Expone individualmente desde 1990. Durante 2002 realiza diversas exposiciones en Barcelona, entre ellas en la galería Rainbow, de Sitges. En 2003 estudia realización escenográfica en el Instituto Superior de arte del Teatro Colón, (Arg.) En 2005 realiza nuevamente exposiciones en Barcelona, de las que se destaca “Clasicismo y modernidad” en la galería ArtBubble-Rubí.En 2006 su obra “Meninas en Metamorfosis” es publicada por el Museo Nacional del Prado en el marco de las actividades relativas al Año Picasso.Como muralista, ha realizado diversos trabajos, entre ellos el mural mosaico “La Anunciación”, para la iglesia Na. Sra. de los Milagros, de Villa Elisa. Participa como muralista invitado en las Jornadas de arte Público organizadas por el Movimiento Nacional de Muralistas en 2000 y 2002 (Mar del Plata) y en 2004 (Carlos Paz) realizando arte público donado a instituciones. Se desempeña en la docencia en la Cátedra de Pin

LA SUITE VOLLARD

2009-10-14T18:29:00.001+02:00

Pronto tendremos ocasión de ver y disfrutar parte de la obra gráfica de Pablo Ruiz Picasso en el CAMA de la capital, LA SUITE VOLLARD. Como aperitivo estas notas

Por encargo del marchante de arte y editor Ambroise Vollard, Pablo Picasso realizó cien cobres grabados entre el 13 de septiembre de 1930 y marzo de 1937, que han pasado a la historia del arte bajo el nombre de Suite Vollard. Una de las series graficas más importantes de toda la historia del arte, sólo comparable en calidad y extensión a las realizadas anteriormente por Rembrandt y Goya.

Esta serie de cien grabados nos muestra a Picasso como un maestro del grabado, por la variedad temática de la serie, la diversidad técnica que utiliza (buril, aguafuerte, aguatinta, aguada y punta seca) y sobretodo por utilizar de manera novedosa y sorprendente la mordida de la plancha. Picasso aplicaba los ácidos con pincel consiguiendo asombrosas veladuras o utiliza la simple línea pura, dotando así a las estampas de un naturalismo sensual.

Se muestra también en esta serie su creatividad y su extraordinaria destreza como dibujante, logrando hallazgos tan expresivos y afortunados como en el resto de disciplinas de su producción artística.

En definitiva se nos muestra como un maestro de las técnicas calcográficas.

Los grabados que componen la serie suis vollard se agrupan en cuatro ejes temáticos:

El taller del escultor: 46 planchas donde se desarrolla la relación entre el artista y su modelo.
La batalla del amor: Relacionada con la serie anterior, pero donde Picasso desarrolla las relaciones eróticas, que se hacen violentan, incluso agresivas, llegando a representar escenas de violaciones (5 planchas).

El Minotauro: Las planchas de esta serie son dramáticas, aunque con cierta ternura y melancolía. El Minotauro es un personaje enigmático y recurrente en la obra de Picasso.

Rembrandt: Cuatro de los grabados que forman la Suite Vollard están dedicados a la figura de Rembrandt, el otro gran maestro del grabado, por el que Picasso sintió una gran admiración .

Además realizo tres retratos de Ambroise Vollard

Eduardo García Benito

2009-10-03T13:37:00.000+02:00

La Sala Municipal de Exposiciones del Museo de Pasión de Valladolid presenta por primera vez en España la muestra ” EDUARDO GARCÍA BENITO. Los años en Nueva York (1921-1940). Ilustraciones para VOGUE y VANTY FAIR”, una muestra producida por la Fundación Municipal de Cultura del Ayuntamiento de Valladolid, y los archivos de Condé Nast de Nueva York donde estas ilustraciones están depositadas.

Alrededor de 150 trabajos, entre portadas de revistas, ilustraciones, bocetos, caricaturas y viñetas, integran la exposición

Eduardo García Benito

Nacido en marzo 1891 en Valladolid, su periodo de formación artística comienza en la Escuela de Artes y Oficios de su ciudad natal y en la de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid, pero será la beca del Ayuntamiento Vallisoletano lo que le lleva a París en 1912 para completar estudios. Su estancia en París le permitió conocer a las figuras más destacadas de las vanguardias, como Picasso, y Juan Gris y posteriormente Manet, Dufy o Gauguin.

En torno a 1918 el trabajo de Benito encuentra eco en los Salones de arte parisinos, y en los primeros años veinte cuenta con fama como dibujante, colaborando en las publicaciones parisinas como Femina, pero serán sus portadas en las revistas neoyorquinas Vogue y Vanity las que le proporcionan el reconocimiento internacional.

Fundo, junto a Van Dongen o Paul Potret, el art decó, un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939

Los dibujos Art Déco de E. G. Benito, buscan la perfección de la línea recta, equilibrio de proporciones, armonía del conjunto, el refinamiento y la estilización

La moda tras la Primera Guerra Mundial intenta conseguir más lo práctico, lo cómodo y lo confortable. Se buscaba la libertad, la simplicidad, la comodidad.
Son los años de la revolución social de la mujer, se corta el pelo a lo garsón, mostrando la nuca, fumar en público, o charla en un bar., modas que fueron objeto de escándalo para los moralistas de la época.
Por todo ello las portada de Benito llamaron y llaman tanto la atención

"El paseo" Marc Chagall

2009-09-09T18:16:00.000+02:00

En el cuadro están retratados el pintor y su esposa Vera, por la que sentía gran amor y adoración, Vera aparece volando ( hombres y animales volando uno de los motivos recurrentes del autor); la escena se desarrolla en su ciudad natal Vitebsk, paisaje de casas de madera que repite en varias obras; no olvidar la naturaleza muerta que aparece en la parte inferior izquierda y en la que destaca el rojo brillaste de la tela sobre la que se encuentra el bodegón.Es un cuadro donde la realidad convive con la fantasía

En cuanto al lenguaje pictórico observamos que se entremezclan elementos cobista, con ingenuismo y expresionismo

El cuadro lo podemos contemplar en Museo Estatal Ruso de San Petersburgo. Museo creado en 1895; se escogió para su ubicación en palacio Mijáilovski, en el centro de la ciudad, pronto quedo insuficiente el espacio y en 1916, según proyecto del arquitecto Benois, al palacio se le adoso un edificio con fachada al canal Griboiédov, quedando configurado definitivamete el museo tal como lo visitamos en la actualidad. En el Museo podemos ver una gran colección de pinturas,esculturas, iconos, grabados, obras de arte aplicadas de la Rusia antigua ...

Vera

Óleo sobre tela

Algunas notas sobre Marc Chagall

Marc Chagall uno de artistas gráficos más destacados del siglo XX nace en Vitebks el 7 de Julio de 1887, en el seno de una modesta y numerosa familia judía
Desde sus años escolares muestra una clara inclinación hacia el dibujo y desafiando la normativa judaica que prohibe la realización de imágenes, emprende su carrera artística; se forma en San Petersburgo y París.
Al analizar su obras observamos: que en ocasiones sus cuadros llenos de fantasía y humor, parecen irracionales y son difíciles de explicar, pero quizás sus lienzos representan el mundo tal como él los siente y lo ve, atreves de su ingenuidad y su fantasía
En los temas que trata destacan, el amor y admiración que siente por su mujer, la vida cotidiana de las pequeñas aldeas judías en Rusia, y sus sentimientos religiosos.

Destacar el uso singular del color y la forma donde vemos en parte la influencia del expresionismo ruso y del cubismo francés

Posidonia Oceanica

2009-09-06T12:02:00.001+02:00

Día de marejada, paseando por la orilla, encuentras las hojas de Posidonia, escasas, cada día más escasa, cada temporada hojas más estrechas en el litoral de Aguadulce, mala señal… ¿algo pasa? ¿Contaminación del agua? Sí, eso lo vemos día tras día. ¿Pero qué más…? Parece que no nos preocupa

Breve reseña sobre la Posidonia Oceanica

La "Posidonia oceanica" es una planta endémica del Mediterráneo con raíces, tallo, hojas y frutos; florece en Otoño y da unos frutos llamados "aceitunas de mar", unas bolas que en los meses de mayo y junio vemos aparecer en las playas. Sus hojas verdes, son largas y aplanas, y forman grandes praderas en el fondo marino.

Cuando nos encontramos con sus hojas en las orillas las denomina “algas” pero la Posidonia Oceánica no es un alga sino una planta que crece en fondos arenosos, mientras que las algas recen en fondos rocosos.

Su papel en el ecosistema es importante, muchas especies encuentran sus nutrientes y su morada en las praderas de Posidonia

Las praderas de Posidonia son la mejor barrera natural contra los temporales, ya que atenúan las fuertes corrientes y retienen la arena entre sus raíces.Su riqueza en el Mediterráneo es tal, que incluso forma bosques submarinos. Estos bosques al igual que los terrestres, necesitan el sol y agua de buena calidad para sobrevivir. Del mismo modo, aportan a la atmósfera oxígeno y proporcionan cobijo y alimento a otros seres vivos. Otra similitud con los bosques terrestres, es que sus hojas muertas son arrastradas hasta las playas, donde se depositan y protegen a la arena de los temporales de otoño.

La importancia de esta especie es tal, que su estado de conservación nos sirve para reflejar el estado del mar.
Por desgracia, y a pesar de estar protegida, sufre constantes amenazas que ponen en peligro su futuro. Las actividades ilegales de pesca, las obras en la costa, la contaminación y el fondeo de embarcaciones son sus principales enemigos.

Cuando me puse a pensar

2009-09-05T20:02:00.000+02:00

Cuando me puse a pensar
la razón me dio a elegir
entre ser quien soy, o ir
el ser ajeno a emprestar,

Mas me dije: si el copiar
fuera ley, no nacería
hombre alguno, pues haría
lo que antes de él se ha hecho:
y dije, llamando al pecho,
¡sé quien eres, alma mía!?

José Martí

Autorretrato con nimbo

2009-09-01T18:56:00.000+02:00

Paul Gauguin

Oleo sobre tabla

Musée d´Orsay

Al mirar el cuadro la primera sensación es de simpleza, fondo plano,con dos colores vivos y enteros que dividen el cuadro por la mitad, sobre los que se superpone el rostro snob del pintor, todo ello conseguido con trazos rotundos.

Pero si nos detenemos en su análisis, observamos que esta lleno de simbolismo, el pintor se adjudica los atributos del primer hombre, Adán: manzanas, serpiente entre los dedos. Además el autor da un paso más en la exaltación de su persona al representarse a sí mismo con la aureola de santidad sobre la cabeza.

En la parte inferior, la serpiente junto con los tallos de una estraña planta forman un arabesco que dividen este espacio de la obra en particiones a la manera de las vidrieras medievales o los esmaltes alveolados.

Breve reseña sobre Paul Gauguin

Agentente de bolsa, desde 1874 empezó a compaginar su trabajo con el arte. En 1883 abandona definitivamente su carrera y a su familia y se refugió en la pintura. Sus primeras obras se mueven dentro de la corriente impresionista, pero pronto evidenció un marcado antinaturalismo más sensible al poder evocador de los objetos y su carga emocional.
Es un pintor de contenidos, de enigmas del ser humano; él siempre se preguntó ¿Quiénes somos?, ¿Dónde vamos?. Gauguin es el ejemplo que representa el mito del bohemio y del primitivismo. Él encarna la necesidad de unir arte y vida. Esta es una utopía presente en la vanguardia. Su pintura tiene un gran componente ético.
Gauguin rechaza la cultura de Occidente y abandona la civilización en pro de los pueblos primitivos. Rechaza lo académico, valora la máscara africana, el arte románico y todas aquellas tendencias que estaban fuera de lo habitual. Él valora este tipo de arte no por lo que tiene de curioso y diferente, sino por su autenticidad.

Por tierras americanas

2009-08-27T19:11:00.000+02:00

La sonrisa lo dice todo; feliz y pletórica ha regresado de su viaje por EEUU. Viaje para mí ideal: por libre, con buena compañía y tiempo suficiente. ¿ Algún día, quizás pronto, yo me pierda por ese inmenso país y mi recorridos no se limite a ver y soñar en el cine? Seguiré el consejo dePerez Reverte

"Hay gente que sueña y que se resigna solo a soñar y gente que sueña y que además, pone un pie delante del otro y camina para hacer realidad sus sueños"

Arturo Pérez Reverte

Kees Van Dongen

2009-08-19T18:36:00.000+02:00

Mujer con sombrero negro

Museo del Ermitage

Visitaba el Ermitage, con un grupo, a la carrera, de sala en sala entre miles de murmullos en distintas lenguas, cuando mi vista se fijo en este bonito retrato, me detuve, ¿ cuánto tiempo? no lo se; resultado, perdí a los compañeros y desde ese momento mi recorrido fue una delicia, fui lentamente sorprendiéndome con obras que desconocías, y que en esa hora y media de independencia disfrute.
¿Pero qué me llamo la atención del retrato ? La elegancia del conjunto, la fuerza expresiva del rostro, la complejidad de la estructura cromática: al color negro se le contrapone un fondo muy claro que se va oscureciendo en la parte superior con tonalidades azules y lilas; la mezcla del verde y el negro que dan elegancia a la obra, así como la fuerza expresiva que le dan al rostro los tonos vivos mezclados con reflejos cromáticos claros

Otras obras del autor

En la actualidad en el Museo Picasso de Balcelona y hasta el 27 de septiembre se muestran obras de Kees van Dongen

Añado un articulo publicado por NATÀLIA FARRÉ sobre Kees van Dongen
¿Quién fue Kees van Dongen?
Según Nathalie Bondil, directora del Museo de Bellas Artes de Montreal, «el artista más grande de entreguerras, a excepción de Picasso». La definición es, como mínimo, sorprendente para un pintor desconocido para el público español y del que la primera y última vez que se pudieron ver un conjunto de obras en España fue en 1915, en una muestra individual que le dedicaron las Galeries Dalmau. Pepe Serra, director del Museu Picasso, justifica este desconocimiento por las «barreras culturales que aún existen», pues en Francia y Holanda le han dedicado grandes retrospectivas, y sobre todo, por la «deriva personal en la que el pintor holandés entró en el final de su vida que lo apartó de los nuevos lenguajes artísticos y provocó que quedará al margen de las revisiones de las vanguardias», explica. En cualquier caso, lo cierto es que Van Dongen (Rotterdam, 1877- Mónaco, 1968) tuvo un papel destacado en las revoluciones artísticas del siglo XX, sobre todo en el fauvismo, del que se convirtió en el más destacado retratista con sus ajustados encuadres y particulares perspectivas. En su momento, fue una figura de primer nivel «más conocido que Picasso y muy apreciado por los coleccionistas», sostiene Serra. Con el objetivo de levantar el velo de «opacidad» que hay en el contexto artístico de inicios del siglo pasado y «presentar la aportación de este artista en la historia del arte», explica Jean-Michel Bouhours, comisario de la muestra, se ha organizado la retrospectiva Kees van Dongen, que después de pasar por Montreal y Mónaco, puede verse, hasta el 27 de septiembre, en el Museu Picasso. La muestra de Barcelona está focalizada en la relación estética y de amistad que mantuvieron Van Dongen y Picasso en París, vecinos de taller en el Bateau-Lavoir y unidos por su fascinación por el mundo de las prostitutas. Para evidenciar estos lazos, una de las salas, incluye una serie de retratos que Van Dongen realizó a Fernande Olivier, la compañera de Picasso, un hecho insólito teniendo en cuenta los celos del malagueño.

COLOR Y EROTISMO / El recorrido por la obra de Van Dongen es cronológico e incluye piezas clave en su trayectoria como Las luchadoras de Tabarin y Autorretrato fauvista. Empieza con sus primeras telas, influenciadas por los claroscuros de Rembrandt y acaba en los años 20, cuando, dedicado a la vida y a la pintura mundana, retrataba a los personajes destacados de la época. En medio, los años fauves, marcados por un lenguaje muy personal centrado en la efervescencia de los colores y las formas, «orgias torrenciales de color», según la crítica de la época; y por una sensualidad y erotismo exagerados que llevaron al poeta Apollinaire a tacharlo de «el pintor de las vergüenzas ciudadanas»

NATÀLIA FARRÉ

Antonia de Zárate

2009-08-16T18:41:00.000+02:00

Francisco de Goya

Museo del Ermitage. San Petesburgo

Antonia Zárate fue una famosa actriz de teatro nacida en Barcelona en 1775. Pertenecía a una familia de actores; madre de Antonio Gil y Zárate celebre poeta y actor dramático. Goya la pinto en dos ocasiones. En este retrato la presenta arrogantemente vestida, quizás con uno de los vestidos del personaje que encarna en el teatro

Domingo de agosto en la ventana

2009-08-16T18:27:00.000+02:00

Como el sol

2009-08-15T19:20:00.000+02:00

No te aferres al pasado
ni a los recuerdos tristes.
No abras la herida que ya cicatrizó.
No revivas los dolores y sufrimientos antiguos.

Lo que pasó, pasó...

De ahora en adelante,
pon tus fuerzas en construir una vida nueva,
orientada hacia lo alto, y camina de frente,
sin mirar atrás.

Haz como el sol que nace cada día,
sin pensar en la noche que pasó.

Vamos, levántate...
porque la luz del sol está afuera

Antonio Machado

Amsterdam: recuerdos del viaje

2009-08-14T19:39:00.000+02:00

Hojeando revistas he tropezado con imagenes de la ciudad de Amsterdan, con tiempo y nada de trabajo, he sentido la necesidad de repasar las fotos del viaje de estudios; Lola, María José y yo nos fuimos con un poco de miedo, miedo que enseguida perdimos. Fueron días muy agradables,donde todo el grupo puso lo mejor de sí mismo, y creo que todos fuimos felices en esa bonita y acogedora ciudad

Safo y la luna

2009-08-05T18:01:00.001+02:00

Ya se ocultó la luna, y las Pléyades.

Entra la noche. Llega la hora y yo duermo sola.

Safo

SAFO DE LESBOS

Poetisa griega que vivió en el siglo VI antes de Cristo. Nació en la aldea de Eresos, instalándose después en Mitilene, capital de Lesbos. De familia acomodada. Tocaba la lira, con la que acompañaba sus composiciones poéticas. Se casó con un rico comerciante y, al quedar viuda y libre de obligaciones, fundó una escuela para mujeres jóvenes, enseñando además de literatura, música, danza... Escribió miles de composiciones, llegándonos a través del tiempo una pequeña parte, fragmentada. Platón se refirió a ella como "La décima musa".

Homero, Troya y una leyenda de amor

2009-08-03T22:40:00.000+02:00

Juicio de Paris

Rubens

Museo del Prado

Tres diosas del Olimpo:Hera, esposa de Zeus; Palas Atenea, diosa de la sabiduría, y Afrodita, deidad del amor, disputaban por una manzana de oro que tenía escrita una leyenda: " para la más bella". Todas las mujeres son coquetas y las tres qurían el honor de ser la más hrmosa del Olimpo. Zeus, para poner paz, decidió que Paris, príncipe troyano hijo de Príamo, y el hombre más guapo de su tiempo, fuese el encargado de dar la manzana de la belleza a quien le pareciera más hermosa . Como suceda en estos casos, ellas buscaron atraerse la voluntad del príncipe: Hra le prometió convertirle en el rey más poderoso de la tierra si le entregaba la manzana. Atenea le ofreció lo mismo, pero Afrodita, la más lista, conociendo el carácter enamoradizo de los hombres, le prometió entregarle a la mujer más bella del mundo si era ella la escogida por Paris. ! Ah, el corazón de los hombres cuando le hablan de una hermosa mujer!. Sin dudarlo, dio la manzana a Afrodita. Y un poco después, Afrodita hizo que Helena, la mujer más guapa de su tiempo, esposa de Menelao y cuñada de Agamenón, se enamorara de Paris. El príncipe la secuestró y se la llevó con él a Troya. Y Agamenón organizó un ejército para vengar el honor de su hermano y rescastar a Helena. ¿ No es una historia única?,¿cuántas guerras se han declarado en el mundo por amor? ! Sólo en Troya!

Del libro "Corazón de Ulises" Javir Reverte

La cita

2009-08-03T18:15:00.000+02:00

Pablo Picasso

Museo Pushkin. Moscu

A pesar de las manchas de color rojo,blanco y negro, en el colorido domina el tono azul que unifica toda la gama cromática. Se observa una subordinación del dibujo a la pintura, expresando a través del color la intensidad de las emociones de la escena, donde la pareja, que centra la composición, se funde en un arranque apasionado y amargo en el que flota las notas del sufrimiento

Amigas en la plaza Marquez de Heredia

2009-07-30T18:48:00.000+02:00

Adiós a la bonita plaza, con árboles y enredaderas, bancos de cerámica, y a su pequeña y coqueta fuente que disfrutaron muestras madres y abuelas; adiós a nuestras mañanas de domingos con churros, cuentos y periódico a las sobra de los plátanos, adiós

Por la rivera del Volga

2009-07-30T17:47:00.000+02:00

Uglich

Goitsy

Kizhi

Lo disfrute con amigas, y gentes cariñosas y amables y en las horas de soledad y sosiego, con las paginas de "Madre Volga" de Manuel Leguineche; libro en el que narra un viaje que realizo por el Volga y donde recoge de forma amena e incluso divertida la historia y el pensamiento ruso.

No quiero rosas

2009-07-29T19:09:00.000+02:00

No quiero rosas,

con tal que haya rosas.

Las quiero sólo cuando no las pueda haber.

¿Qué voy a hacer con las cosas

que cualquier mano puede coger?
No quiero la noche sino cuando la aurora

la hizo diluirse en oro y azul.

Lo que mi alma ignora eso es lo que quiero poseer.
¿Para qué?... Si lo supiese, no haría

versos para decir que aún no lo sé.

Tengo el alma pobre y fría...

Ah, ¿con qué limosna la calentaré?...

Fernando Pessoa

La mañana

2009-07-29T18:27:00.000+02:00

Kuzmá- Petrov-Vodkin

Museo Estatal Roso

Kuzmá pintor ruso del primer tercio del siglo XX

En su obra "la mañana" lo que me impresiona es la figura de la joven desnuda que lleva de la mano a un niño. En la forma de su cuerpo, en el gesto y en el movimiento hay una gran dulzura, gracia y pudor.

Cleopatra

2009-07-29T18:02:00.000+02:00

Jan Zrzavý

Pintor de la vanguardia checa.

Todos los cuadros de Jan Zrzavý provocan la sensación de algo frágil, personal e íntimo. Asombran por la elección precisa de los colores y el excelente sentido para la composición. Invitan a pasear por un mundo mágico, liberado de prejuicios y convenciones sociales.

Su obra, marcada por una expresión auténtica y simbolismo lírico, ha contribuido de manera significativa a la evolución del modernismo europeo

El artista destacó también como ilustrador gráfico, escritor y escenógrafo

Retrato de Anna Ajmátova

2009-07-27T19:38:00.001+02:00

Anna Ajmátova es una poeta rusa nacida en Odessa el 23 de junio de 1889. Conoce en París a Natan Altman quien pinto este bello retrato

Natan Altman. Museo estatal ruso

Entre sus versos podemos leer:

Hay en la intimidad un límite sagrado

Que trasponer no puede aun la pasión más loca

Siquiera si el amor el corazón desgarra

Y en medio del silencio se funden nuestras bocas.

La amistad nada puede, nada pueden los años

De vuelos elevados, de llameante dicha,

Cuando es el alma libre y no la vence

La dulce languidez del goce y la lascivia.

Pretenden alcanzarlo mentes enajenadas,

Y a quienes lo trasponen los colma la tristeza.

¿Comprendes tú ahora por qué mi corazón

No late a ritmo debajo de tu diestra?

Anunciaciación

2009-07-27T18:32:00.000+02:00

Ángel del tríptico de "la Anunciación" Simone Mertini

Galería de los Uffizi. Florencia

Al contemplar la tabla de Simone Marttini lo que mas me llamo la atención fue la increíble finura de las lineas y la elegancia que emana de toda la obra.

Retrato de la cantante Yvette Gilbert

2009-07-27T17:43:00.000+02:00

Henri de Toulouse-Lautrec

Dibujo sobre carton

MuseoPushkin Moscú

En este retrato lleno de despiadada ironia, el pintos capta el movimientos ondulantes y la expresividad de los gesto de Ybette, durante sus actuacines en los restaurantes de Montmatre, en torno a finales de 1894,.

En el dibujo sólo se ha trabajado el rostro que, blanco con sombras azules, rodeado de cabellos colod del trigo, parece la mascara de un Clown apoyado el las manos cruzadas y enfundadas en largos guantes negros

Templo del Cielo. Beijin

2009-07-25T12:55:00.000+02:00

Altar circular

En el se celebraban los ritos más importantes de el solsticio de invierno

Alero del Palacio de la Abstinencia en el recinto del Templo del cielo

La noche anterior a los ritos , el Emperador pasa la noche en el Palacio de las Abstinencia guardando ayuno

El verano de 2005 visite las ciudades de Beijing y Shanghai, y estos días gracias a Lola, colega y amiga, las he recorrido de nuevo y he revivido todas las emociones sentida aquellos días. ¿ Cómo? en las paginas del libro " Simiente enterrada" de Antonio Colina. Pues como dice Javier Reverte " cuando viajamos literariamente recorremos al menos tres veces el camino: al idear lo,al pisarlo y al escribir al regreso" o leyendo lo que han escrito.

Compañera inseparable

2009-07-24T19:55:00.000+02:00

" El mundo os agrada; amáis la soleda; los cumplidos os divierten, pero no os seducen. Vuestro corazón no se entrega con facilidad...... Vuestra coqueteria es imperiosa"

José Antonio Marina " Palabras de amor"

Puerta de los Leones. Micenas

2009-07-24T19:28:00.000+02:00

" El mármol es duro, pesado, y telúrico como ninguna otra piedra, pero el cincel del escultor que modelo las figuras de las dos fieras hace más de tres mil años las doto de un temblor místico que aún permanece en ellas"

" Nada mejor que un león para representar el poder y el valor de un rey guerrero, pero en los leones de Micenas palpita una vocación de pajaros, como si ambos se preparasen para saltar hacia el espacio y volar allí como águilas"

" Los leones de Micenas retratan el alma de un pueblo que no solo quería vencer y dominar, sino que aspiraba sobretodo a ganar la superior de las batallas, la del espíritu"

Javier Reverte " El corazón de Ulises"

2009-07-23T19:55:00.000+02:00

Caballitos de luz

2009-07-23T19:48:00.000+02:00

"El loco" Picasso

Acuarela sobre cartón de embalaje

2009-07-17T19:42:00.000+02:00

Inocencia confiada